Elle évoque également son rôle dans Malika, le nouveau film de Mounia Meddour, et livre une réflexion sensible sur le pouvoir du cinéma, capable de révéler des facettes insoupçonnées de nous-mêmes.

crédit photo @AB - archives

RENCONTRE

Il a offert au cinéma l'un de ses slows les plus célèbres. Quarante-six ans après « La Boum », Richard Sanderson reste indissociable des premiers émois de Sophie Marceau et de la mélodie inoubliable de « Reality ». Mais réduire cet artiste franco-britannique à un seul succès serait méconnaître son parcours. Chanteur, musicien, arrangeur, producteur et compositeur pour l'image, il poursuit une carrière guidée par une passion intacte. Nous l'avons rencontré à Barbières, dans la Drôme, à l'occasion du spectacle « Totalement 80 ». Une conversation passionnante, entre souvenirs de cinéma, rendez-vous manqués et rêves toujours vivants.

La nostalgie des années 80, une histoire qui n'en finit pas

Il est de ces voix qui possèdent un étrange pouvoir : celui de faire ressurgir instantanément des images. Quelques notes de Reality, et voici Sophie Marceau, adolescente, un casque sur les oreilles, découvrant l'amour au rythme d'un slow devenu légendaire. Pour Richard Sanderson, cette chanson reste une formidable histoire d'amour avec le public. Une histoire commencée en 1980 et qui ne s'est jamais véritablement interrompue.

Samedi 7 novembre, aux Ateliers Magiques de Dani Lary, à Barbières, le chanteur retrouvait les spectateurs de la tournée « Totalement 80 », aux côtés notamment d'Ottawan, des Gibson Brothers, de Caroline Loeb, de Phil Barney et de Joniece Jamison, dans une soirée animée par Jérôme Anthony. Un spectacle placé sous le signe des retrouvailles, que l'artiste aborde avec une spontanéité désarmante.

« On est tellement contents de se retrouver que c'est vraiment la colonie de vacances ! Tout le monde est sympa, tout le monde est content d'être là. C'est que du bonheur. »

L'aventure trouve ses racines en 2007, lorsque le producteur Olivier Kaefer imagine de réunir sur scène plusieurs grandes figures musicales de la décennie 80. Un pari que certains pensaient éphémère.

« Les gens nous disaient que ça allait durer cinq ans. Mais ça fait vingt ans maintenant que ça dure ! »

La formule a depuis connu de multiples déclinaisons. Elle a aussi inspiré le cinéma avec Stars 80, sorti en 2012, qui raconte de manière romancée la naissance de cette aventure collective.

Richard Sanderson n'a pourtant pas participé au film. Il s'en amuse aujourd'hui, sans véritable amertume : « Ils ne pouvaient pas mettre tout le monde ! »  Car pour lui, l'essentiel est ailleurs. Le plaisir de retrouver ses camarades, l'énergie du public et ce sentiment particulier d'appartenir à une histoire musicale commune.

« Reality », la naissance d'une chanson devenue culte

Pour comprendre la place de Richard Sanderson dans la mémoire du cinéma, il faut revenir à l'année 1980. Claude Pinoteau prépare alors La Boum, une comédie sentimentale dont personne n'imagine encore l'importance qu'elle prendra dans la culture populaire. Vladimir Cosma en compose la musique et recherche une voix capable d'accompagner les premiers émois amoureux de son héroïne.

Ce sera celle de Richard Sanderson.

La rencontre donne naissance à Reality, un succès international qui atteindra la première place des ventes dans quinze pays et dépassera les huit millions d'exemplaires vendus. Mais Richard Sanderson tient à rappeler une distinction essentielle. « La Boum, c'était une musique de Cosma. Moi, j'étais chanteur et coproducteur. »

Une précision qui ne diminue en rien sa contribution à cette aventure. À l'époque, il possède déjà une solide expérience de la production musicale et participe au travail autour de la chanson.

Surtout, il garde une grande admiration pour la manière dont Vladimir Cosma a construit l'identité sonore du film. « J'ai travaillé longtemps avec Vladimir Cosma. La musique, il la met plusieurs fois dans le film. » Et Richard Sanderson de se souvenir de ces petites touches musicales disséminées tout au long du récit : Sophie Marceau qui joue quelques notes à la guitare, la grand-mère Poupette qui reprend la mélodie à la harpe…

Une véritable écriture cinématographique, dans laquelle le thème musical accompagne les personnages avant de s'imposer définitivement dans la mémoire des spectateurs.

« Ça rentre dans les oreilles ! »

Le secret musical de la dernière scène

Richard Sanderson raconte également une anecdote passionnante sur la conclusion de La Boum.

Dans cette scène devenue emblématique, Sophie Marceau danse avec un nouveau garçon. La musique qui accompagne d'abord ce moment n'est pas Reality, mais une autre chanson interprétée par Sanderson : Go On Forever.

Selon ses souvenirs, Claude Pinoteau souhaitait utiliser cette mélodie, tandis que Vladimir Cosma défendait une autre approche musicale.

La solution finalement retenue repose sur une transition particulièrement habile.

Lorsque l'image se fige, Go On Forever laisse place au thème de Reality. Les deux chansons partageant la même tonalité, le passage peut s'effectuer avec une grande fluidité.

« Toutes les chansons étaient en sol. Et quand l'image se fige, ils sont repassés sur La Boum. »

Cette construction explique, selon lui, la puissance du souvenir laissé par la musique.

« Quand vous sortiez du cinéma, vous aviez la chanson dans la tête. »

Une leçon de musique de film, presque quarante-six ans après sa création : un thème ne devient pas seulement mémorable parce qu'il est beau, mais aussi parce qu'il trouve sa place dans la narration.

« La Boum 2 », le rendez-vous manqué avec Sophie Marceau

Si Reality lui a ouvert les portes de la reconnaissance internationale, Richard Sanderson garde aussi le souvenir de certaines occasions manquées.

La première concerne La Boum 2, sorti en 1982. Claude Pinoteau envisage alors de prolonger leur collaboration. Il est même question que le chanteur apparaisse à l'écran.

Mais Richard Sanderson prépare parallèlement une tournée au Japon, où sa carrière rencontre également un important succès, notamment grâce à She's a Lady.

Avant de partir, il prend soin de prévenir le réalisateur de ses engagements professionnels.

« Je lui avais dit que j'avais un contrat avec des Japonais tout le mois d'août. Il m'avait répondu qu'on ne tournerait pas avant septembre. »

Seulement voilà : alors qu'il se trouve au Japon, il apprend qu'on l'attend au pavillon Baltard le 18 août. Impossible de rentrer à temps.

« Ça m'avait vraiment contrarié. Je leur avais dit quinze fois que je ne serais pas là ! »

L'artiste reconnaît qu'il aurait volontiers privilégié le film s'il avait connu suffisamment tôt les véritables dates du tournage.

La suite se fera donc sans lui. La chanson emblématique de La Boum 2, Your Eyes, sera interprétée par le groupe britannique Cook da Books.

Un regret qui ne l'empêchera pas de poursuivre sa collaboration avec Vladimir Cosma.

« L'Étudiante » : une autre chanson qui aurait pu être la sienne

Quelques années plus tard, Richard Sanderson retrouve l'univers de Claude Pinoteau et de Sophie Marceau autour de L'Étudiante, sorti en 1988. Ce film, sans être une suite officielle des deux Boum, prolonge dans l'esprit du public l'univers sentimental et romantique associé à l'actrice. Richard Sanderson travaille alors auprès de Vladimir Cosma, notamment sur les synthétiseurs et les programmations musicales.

Le compositeur aurait même envisagé de lui confier l'interprétation de la chanson principale. Mais l'idée ne se concrétise pas.

« Apparemment, mais je ne sais pas si c'est vrai, Danièle Thompson et Sophie Marceau auraient dit que si c'était Richard qui chantait, ça ferait La Boum 3. »

Une explication que le chanteur prend soin de présenter comme un propos rapporté, et non comme une certitude. À cette époque, il vient également de signer avec Warner en Allemagne, où l'on préfère le voir défendre ses propres albums plutôt que de participer à une nouvelle bande originale.

Avec le recul, il estime qu'il aurait dû saisir cette occasion. La chanson You Call It Love sera finalement interprétée par la chanteuse norvégienne Karoline Krüger. Ces épisodes auraient pu éloigner Richard Sanderson du cinéma. Ils ont au contraire entretenu son envie de composer pour l'image.

Derrière le chanteur, un musicien de cinéma

Car le grand public l'ignore parfois : Richard Sanderson est bien davantage que l'interprète d'un succès international.

Né en Angleterre en 1953, d'un père écossais et d'une mère française, tous deux musiciens, il grandit dans un environnement musical. Piano classique dès l'enfance, guitare à l'adolescence, groupes de rock, orchestres puis formation à l'harmonie et à l'orchestration au Berklee College of Music, aux États-Unis : son parcours témoigne d'une véritable culture musicale.

Au fil des années, il se tourne largement vers la composition pour l'image, avec de nombreuses musiques destinées à la télévision, aux documentaires et à des productions historiques.

On retrouve notamment son travail dans des programmes comme Un siècle d'écrivains, dans les productions documentaires de Daniel Costelle, ou encore à travers des habillages musicaux pour la télévision.

Sa carrière de compositeur s'étend ainsi bien au-delà du cinéma sentimental auquel son nom demeure associé. Pour autant, une certaine frustration subsiste. « J'aurais aimé faire plus de musiques de films », reconnaît-il.

Parce qu'il aime la rencontre avec un réalisateur, le dialogue entre une image et une partition, et cette sensation particulière de donner une dimension supplémentaire à une scène grâce à la musique.

De « La Boum » à l'histoire du canal du Midi

Au cours de notre entretien, Richard Sanderson revient sur un projet qui lui tient particulièrement à cœur : Riquet, le Songe de Naurouze, un film historique réalisé par Jean Périssé et référencé en 2019. L'œuvre s'intéresse à Pierre-Paul Riquet, l'homme à l'origine de la construction du canal du Midi, au XVIIe siècle, et à ses relations avec le pouvoir royal, notamment Colbert. Un univers très éloigné des bals adolescents de La Boum. Pour le musicien, c'est précisément tout l'intérêt de la composition pour le cinéma : changer d'époque, de langage et d'atmosphère, tout en cherchant la juste émotion. Richard Sanderson raconte avoir travaillé sur cette musique et s'être rendu jusqu'en Albanie pour une partie des enregistrements. Un choix de production qui lui inspire une réflexion sur les conditions économiques du métier.

Il regrette notamment que les contraintes budgétaires conduisent parfois à enregistrer à l'étranger alors que la France dispose d'excellents musiciens et de studios de qualité. Mais l'enthousiasme reprend rapidement le dessus : il aime travailler, relever de nouveaux défis et découvrir d'autres univers. Il évoque aussi les relations parfois mouvementées entre les compositeurs et les réalisateurs. Sur l'une de ses collaborations, une première proposition musicale avait été écartée avant que l'équipe ne revienne finalement vers lui.

Une illustration des incertitudes propres à la création cinématographique, où une partition doit autant convaincre artistiquement que trouver sa place dans la vision du metteur en scène. L'artiste mentionne également la perspective d'une nouvelle collaboration en Italie, sans qu'un titre ou un calendrier de réalisation permette aujourd'hui d'en confirmer l'aboutissement.

Ennio Morricone, son maître absolu

À la question de savoir quel grand réalisateur il aimerait voir lui confier une bande originale, Richard Sanderson laisse volontiers vagabonder son imagination.

James Cameron ? Pourquoi pas. Steven Spielberg ? Évidemment.

Mais il sait aussi que ces grands cinéastes ont été entourés de compositeurs d'exception.

Et la conversation revient très vite vers ceux qu'il admire profondément.

« Je suis fan de John Williams. Et Ennio Morricone, c'est mon maître. »

Deux géants de la musique de film, capables de donner à quelques notes une puissance narrative considérable.

Ce qui fascine Richard Sanderson, c'est cette capacité à créer des mélodies immédiatement reconnaissables, mais qui ne se limitent jamais à une simple illustration.

Une bande originale réussie doit raconter quelque chose. Elle doit participer au film, accompagner les émotions sans les écraser et parfois prolonger la vie des personnages bien au-delà du générique de fin.

Une conception qu'il connaît intimement, lui dont la voix continue de faire exister La Boum dans la mémoire de millions de spectateurs.

« Si ma vie était un film ? La Mélodie du bonheur ! »

Puis vient une question plus personnelle. Si la vie de Richard Sanderson devait être racontée au cinéma, quelle musique accompagnerait son histoire ?

Le chanteur marque un temps d'arrêt.

« Ah, ça, c'est une bonne question ! En cinquante ans, on ne me l'a jamais posée ! »

Il réfléchit, puis laisse échapper une réponse qui ressemble finalement à un autoportrait.

« La Mélodie du bonheur ! »

Il précise aussitôt, amusé, qu'il parle du titre et non du scénario du célèbre film musical. Car son existence n'a pas toujours été un long fleuve tranquille. Il y a eu des succès immenses, des périodes moins faciles, des projets qui n'ont pas abouti et ces occasions que l'on regrette parfois d'avoir laissées passer. Mais jamais il n'a perdu sa confiance dans la musique. « J'ai eu une vie avec des hauts et des bas, mais j'étais toujours plein d'espoir. J'ai toujours cru en moi, même quand on me disait : sois réaliste ! »

Avant d'ajouter, avec une lucidité teintée d'humour : « Je crois que c'est ça qui m'a sauvé un peu. Et puis je suis un peu inconscient, un peu optimiste. »

Difficile de ne pas entendre, derrière cette confession, un écho à la chanson qui a changé sa vie.

Dreams are my reality.

Les rêves sont ma réalité. Quarante-six ans après, la formule semble toujours lui correspondre.

À 73 ans, il continue de partager son temps entre la création musicale et la scène.

La plus belle conclusion appartient peut-être à ce refrain qui ne l'a jamais quitté.

Dreams are my reality.

Richard Sanderson a fait de ces quelques mots bien davantage qu'un succès : une manière d'envisager la vie. Et pour celui qui a accompagné les premiers rêves de Sophie Marceau au cinéma, l'histoire musicale n'est manifestement pas terminée...

Propos reccuellis par Patrice Caillet et Amandine BACCONNIER pour la RADIO DU CINEMA - 7/11/2026

Une rencontre traversée par une conviction : l’éducation, la liberté de conscience et l’esprit critique restent nos plus précieux remparts contre l’intolérance.

Derrière le symbole, un frère. Derrière la douleur, un engagement.

Le 16 octobre 2020, Samuel Paty, professeur d’histoire-géographie, était assassiné par un terroriste islamiste pour avoir exercé son métier d’enseignant, notamment en abordant la liberté d’expression avec ses élèves.

Six années ont passé. Son nom appartient désormais à la mémoire collective. Mais derrière ce nom, devenu un symbole de la République, il y avait un homme, un frère, un père, un professeur passionné par sa mission.

C’est cet homme que Mickaëlle Paty refuse de laisser disparaître.

Sa parole rappelle une évidence  : rendre hommage ne suffit pas. Il faut comprendre, transmettre et interroger les mécanismes qui ont rendu l'irréparable possible.

« Il ne faut absolument pas que cette histoire s’oublie parce que lorsqu’on oublie les choses, c’est bien malheureux, mais c’est comme ça qu’elles se reproduisent. »

Ces mots portent une exigence essentielle. La mémoire ne doit pas devenir un simple rituel commémoratif. Elle doit nous obliger à regarder les faits, à examiner les responsabilités et à refuser l'indifférence.

Pour Mickaëlle Paty, l'assassinat de son frère ne peut être considéré comme un événement isolé, surgi de nulle part. Il est l'aboutissement d'un engrenage qu'il faut avoir le courage d'analyser.

Son engagement consiste précisément à faire en sorte que la disparition de Samuel ne soit pas vaine.

La laïcité : non pas diviser, mais permettre de vivre ensemble

Parler de Samuel Paty, c’est nécessairement parler de laïcité. Mais encore faut-il s'entendre sur ce que recouvre ce principe si souvent invoqué, parfois mal compris.

La laïcité n’est pas le rejet des religions. Elle n'impose pas de renoncer à ses croyances. Elle garantit, au contraire, la liberté de conscience : celle de croire, de ne pas croire, de changer de conviction, et de vivre dans un cadre commun où aucune croyance ne peut s'imposer à tous.

À l'école publique, cette liberté s'accompagne d'une mission fondamentale : permettre à chaque élève de développer son jugement indépendamment de ses origines, de son milieu social ou de ses convictions familiales.

Et c’est précisément là que les paroles de Mickaëlle Paty prennent toute leur force.

Lorsqu’on l’interroge sur la manière d’apprendre aux jeunes à accepter le désaccord sans renoncer au respect, elle évoque immédiatement ce qui caractérisait son frère :

« Samuel, ce qu’il aimait, c’était justement essayer de remettre de la nuance là où tout le monde en manque. »

Dans une société où les opinions s’affrontent parfois avant même de se rencontrer, où les réseaux sociaux encouragent les réactions immédiates et les positions tranchées, cette idée mérite d'être entendue.

La nuance n'est pas une faiblesse. Elle est une forme d'exigence intellectuelle.

Apprendre à penser, ce n'est pas apprendre à être d'accord avec tout le monde. C'est apprendre à questionner ses propres certitudes, à écouter une opinion différente, à distinguer un argument d'une attaque et une conviction personnelle d'une vérité qui devrait s'imposer aux autres.

On peut respecter profondément une personne sans partager ses idées. On peut critiquer une religion sans mépriser ceux qui la pratiquent. On peut défendre fermement la liberté d'expression tout en cultivant le sens du dialogue.

C'est aussi cela, l'esprit de la laïcité : protéger un espace dans lequel les différences peuvent exister sans empêcher la construction d'un monde commun.

L’Abandon : quand le cinéma devient un acte de mémoire

Comment raconter l'inimaginable ? Comment faire comprendre aux nouvelles générations ce que les discours officiels, les articles et les commémorations peinent parfois à transmettre ?

Avec L’Abandon, le réalisateur Vincent Garenq choisit de retracer les onze derniers jours de Samuel Paty.

Incarné par Antoine Reinartz, le professeur apparaît dans toute sa dimension humaine : un homme réservé, investi dans son métier, progressivement confronté à une inquiétude qui grandit.

Mickaëlle Paty a accompagné de près la création du film. Elle explique avoir joué un rôle de sentinelle, veillant à l'exactitude des faits, mais aussi à la vraisemblance des attitudes et des paroles prêtées à son frère.

Car il ne s'agissait pas de raconter une histoire inspirée d'un drame. Il s'agissait de raconter l'histoire de Samuel.

Cette implication a représenté une épreuve émotionnelle considérable. Mais elle y voit aussi une « vertu réparatrice ».

Un souvenir, en particulier, dit davantage que bien des analyses. Après avoir découvert le film, sa mère lui a confié trois mots :

« J'ai vu Samuel. »

Trois mots forts, qui résument la force d'une interprétation, mais aussi la puissance du cinéma.

Le cinéma peut rendre une présence à celui qui n'est plus. Il peut redonner un visage, une voix, des gestes à un nom que l'histoire a transformé en symbole.

Il peut aussi créer une émotion collective. Dans une salle obscure, des spectateurs d'âges, d'horizons et de convictions différents partagent une même expérience, avant de retrouver leur liberté de penser et de débattre.

La jeunesse, non pas comme une génération à condamner, mais comme un espoir à construire

L'un des moments les plus marquants de notre entretien concerne les jeunes.

Mickaëlle Paty ne dissimule pas sa difficulté initiale à comprendre la participation de plusieurs collégiens à l'engrenage qui a conduit à l'assassinat de son frère.

Comment accepter que des adolescents aient pu contribuer, contre une somme dérisoire, à désigner un enseignant à son futur agresseur ?

La question est douloureuse. Elle soulève celle de la responsabilité individuelle, de l'influence du groupe, de la manipulation et de la place accordée à la minorité dans notre justice.

Mais ce qui frappe dans ses propos, c'est le chemin parcouru au contact des élèves.

À travers les projections et les échanges, Mickaëlle Paty découvre des jeunes capables de mesurer la gravité des faits, de s'indigner, de poser des questions et de réfléchir aux conséquences de leurs choix.

Certains interrogent les peines prononcées. D'autres découvrent les raisons pour lesquelles la justice distingue la responsabilité des mineurs de celle des adultes.

Ces discussions ne font pas disparaître les désaccords. Elles rendent possible quelque chose de plus précieux : la compréhension.

C'est toute la différence entre imposer une conclusion et transmettre les moyens de construire un jugement.

Un adolescent qui pose une question, qui reconsidère une certitude ou qui comprend les conséquences d'un acte accomplit déjà un travail citoyen essentiel.

Le souhait de Mickaëlle Paty est que L’Abandon puisse durablement accompagner ce travail pédagogique, au-delà des seules journées d'hommage.

Car une minute de silence prend une autre dimension lorsqu'on comprend l'histoire et l'humanité de la personne à laquelle elle est consacrée.

Protéger les enseignants, c'est protéger la liberté des générations futures

Au-delà du drame, une interrogation traverse cet entretien : quelle place notre société accorde-t-elle encore à celles et ceux qui enseignent ?

Le professeur n'est pas seulement celui qui transmet un programme. Il est aussi celui qui ouvre des portes, qui fait découvrir d'autres horizons, qui apprend à argumenter et parfois à remettre en question ce que l'on croyait évident.

C'est cette mission que Samuel Paty défendait avec conviction.

Lorsqu'on demande à sa sœur ce qu'elle aimerait que l'on retienne de lui, au-delà de son assassinat, sa réponse est lumineuse :

« Lui, il était convaincu que l'école a un pouvoir immense. »

Le pouvoir d'émanciper. De permettre à un enfant de ne pas être enfermé dans les déterminismes de sa naissance. De lui donner les moyens de choisir sa vie.

Ces mots donnent peut-être à cet entretien son sens le plus profond.

Défendre la laïcité, ce n'est pas seulement rappeler des règles et des principes. C'est préserver les conditions dans lesquelles chaque enfant peut devenir un citoyen libre, capable de penser par lui-même.

C'est aussi garantir aux enseignants la possibilité d'exercer leur métier sans intimidation, sans menace et sans avoir à renoncer aux sujets essentiels.

Ne pas oublier Samuel Paty. Et surtout, continuer à faire vivre ce en quoi il croyait.

En quittant les mots de Mickaëlle Paty, on retient bien sûr la dignité d'une sœur et le courage d'une femme qui transforme une douleur irréparable en engagement public.

Mais on retient surtout une invitation à réfléchir collectivement.

Comment mieux accompagner nos enseignants ? Comment apprendre aux jeunes à distinguer la croyance du savoir, la critique de la haine, le désaccord de la violence ? Comment défendre la liberté d'expression sans renoncer à l'écoute et au respect ? Et comment faire de la laïcité non pas un sujet de confrontation permanente, mais un principe de liberté partagé ?

Ces questions n'appartiennent à aucun camp. Elles concernent l'ensemble de notre société.

À travers L’Abandon, à travers les rencontres avec les élèves et à travers sa parole, Mickaëlle Paty rappelle que la mémoire n'a de sens que si elle nous aide à mieux préparer l'avenir.

Samuel Paty croyait en l'école. Il croyait en cette formidable capacité de l'éducation à ouvrir les esprits et à élargir les possibles.

Six ans après sa disparition, ce message demeure d'une actualité essentielle.

La meilleure manière d'honorer un professeur qui enseignait la liberté est peut-être de continuer, inlassablement, à apprendre aux enfants à penser librement.

Et de ne jamais oublier que la laïcité, avant d'être un mot dans le débat public, est une promesse : celle d'une République où chacun peut croire, ne pas croire, apprendre, questionner et vivre librement, dans le respect des autres.

Entretien réalisé par Amandine BACCONNIER avec Mickaëlle Paty, le 6 novembre 2026, à l'occasion de la présentation de L'Abandon à LUX, scène nationale de Valence.

L'Abandon — un film de Vincent Garenq, avec Antoine Reinartz, Emmanuelle Bercot et Emma Boumali. Sorti au cinéma le 13 mai 2026.

Une rencontre passionnante avec un cinéaste franco-irlandais qui défend un documentaire libre et exigeant. Un entretien à retrouver dans son intégralité sur La Radio du Cinéma.

Pendant six ans, Alexander Murphy a partagé le quotidien de Pa, Lisa et leurs dix enfants, installés dans une caravane au milieu des champs irlandais. Une famille soudée, confrontée à la précarité et aux préjugés, qu'il filme avec une tendresse infinie. Rencontré après la projection, le réalisateur ne cache pas son émotion. « C'est très difficile de dire au revoir, ça fait mal au cœur. » D'ailleurs, les liens ne sont pas rompus. Il continue de leur rendre visite et imagine même, pourquoi pas, retrouver la famille devant sa caméra dans une dizaine d'années.

Le documentaire, un cinéma à part entière

Ce qui frappe dans Irish Travellers, au-delà de son histoire, c'est sa beauté visuelle. Lumières délicates, paysages enveloppants, visages saisis dans leur vérité : la photographie est remarquable. Pour Alexander Murphy, cette recherche esthétique est indissociable du documentaire. Il refuse qu'on enferme le genre dans les codes du reportage. « On peut expérimenter beaucoup de choses dans le documentaire », insiste-t-il. Une liberté de création qu'il revendique pleinement. Mais faire un tel film suppose aussi de trouver la bonne distance. Entre confiance, désaccords et attachement, le cinéaste a dû apprendre à préserver sa relation avec les O'Reilly sans renoncer à son regard d'auteur. Un équilibre parfois fragile, qu'il évoque avec une grande sincérité.

Filmer sans juger

Franco-irlandais, Alexander Murphy a grandi entre Paris et l'Irlande. Enfant, il associait les Travellers à une forme de liberté fascinante. Son ambition n'était pas de porter un jugement sur leur mode de vie, mais de montrer une famille dans toute sa complexité. Aujourd'hui, les O'Reilly découvrent avec étonnement l'accueil réservé au film. « Mais comment se fait-il qu'ils ne nous jugent pas ? », lui demandent-ils.

Une question bouleversante qui résume peut-être toute la portée de ce documentaire, présenté à la Semaine de la Critique à Cannes.

Dans cet entretien Alexander Murphy revient sur les coulisses de ces six années, ses inspirations cinématographiques, sa responsabilité envers ceux qu'il filme et ce que cette aventure a changé en lui.

Une conversation généreuse autour d'un film magnifique, gonflé d'amour avec un grand A, qui nous rappelle que le cinéma peut aussi nous apprendre à regarder autrement.

Retrouvez l'interview intégrale d'Alexander Murphy sur La Radio du Cinéma.

Rencontré par La Radio du Cinéma lors de l'ouverture du festival Hissez les Toiles, à Château-Chinon, le cinéaste revient sur la genèse de son film, son travail avec les comédiens et les interrogations que cette histoire fait naître aujourd'hui.

Septembre 1940. La France vient de connaître la débâcle et le maréchal Pétain installe son régime à Vichy. Henri Marre, 49 ans, arrive dans la ville thermale sans argent, sans relations et loin de sa famille.

Ingénieur convaincu de détenir les solutions pour redresser le pays, il transporte dans ses bagages un traité politique publié à compte d'auteur, intitulé Notre Salut. Il espère trouver une place dans la nouvelle administration.

Interprété par Swann Arlaud, Henri est un homme frustré, avide de reconnaissance, dont les ambitions personnelles finissent par se confondre avec les promesses du nouveau régime.

Une histoire familiale à l'origine du scénario

Emmanuel Marre n'avait initialement pas prévu de réaliser un film historique. Une découverte dans les archives de sa famille a changé la donne : les lettres échangées pendant la guerre par ses arrière-grands-parents.

Son aïeul avait travaillé pour le régime de Vichy et défendu les idées pétainistes. Le réalisateur en a tiré une fiction qui s'intéresse moins aux grandes figures de la collaboration qu'aux fonctionnaires ordinaires qui ont participé à son fonctionnement.

Au micro de La Radio du Cinéma, il explique pourquoi cette mémoire familiale soulève des questions toujours actuelles, notamment sur les renoncements individuels face à un pouvoir autoritaire.

Swann Arlaud, Sandrine Blancke et Raphaël Thiéry

Pour incarner Henri Marre, Emmanuel Marre a choisi Swann Arlaud, tandis que la comédienne belge Sandrine Blancke interprète son épouse, Paulette. Le film réunit également Mathieu Perotto, Mathilde Abd-El-Kader et Raphaël Thiéry.

Dans notre entretien, le réalisateur revient notamment sur les premières hésitations de Swann Arlaud face à un personnage complexe, ainsi que sur la manière dont Sandrine Blancke a construit son rôle.

Un film récompensé à Cannes et à Valladolid

Présenté en compétition officielle au Festival de Cannes 2026, Notre Salut a remporté le Prix du scénario, le Prix des Cinémas Art et Essai ainsi que le Prix CST de l'Artiste-Technicien, attribué au monteur Nicolas Rumpl.

Le film a poursuivi son parcours international à la Seminci de Valladolid, en Espagne, où Swann Arlaud a reçu le prix du meilleur acteur et Olivier Boonjing celui de la meilleure photographie, fin octobre 2026.

Cette coproduction franco-belge, produite notamment par Kidam et Michigan Films, a été tournée en partie à Vichy et à Limoges. Distribuée par Condor Distribution, elle est sortie en France le 30 septembre 2026.

Emmanuel Marre se confie à La Radio du Cinéma

Pourquoi raconter la collaboration à travers un personnage ordinaire ? Comment filmer le passé sans juger les personnages depuis notre époque ? Et que peuvent nous apprendre aujourd'hui leurs choix et leurs faiblesses ?

Retrouvez notre entretien avec Emmanuel Marre, enregistré lors du festival Hissez les Toiles 2026 à Château-Chinon.

Pour découvrir le film, son affiche et sa bande-annonce, consultez également la fiche officielle de Notre Salut chez Condor Distribution.

A little teddy bear named Mo, a Jewish family in Nazi-occupied Denmark in 1943, and a heartbreaking separation caused by war. This is the starting point of Remember My Name, a 15-minute animated short film told entirely without dialogue. Now making its way through international film festivals, the film has qualified for consideration for the 2027 Academy Awards.

For La Radio du Cinéma, our journalist Jenna Suru sat down with Sascha Kempinski, the film's co-director, and Rebecca Pruzan, its producer, who previously earned an Academy Award nomination for Ivalu.

A Family Story Long Hidden in Silence

Behind this animated film lies a deeply personal true story: that of Sascha Kempinski's grandparents, who were forced to flee Denmark during World War II.

During the interview, Kempinski reflects on the memories passed down through generations and shares a particularly moving revelation: how a family member, whose own life was directly shaped by those events, reacted upon seeing the finished film.

It is a powerful moment that reveals the deeper meaning behind a project born from a promise to keep a family's history alive.

Why Tell the Story Through a Teddy Bear?

Rebecca Pruzan explains how she first discovered this remarkable family story and what inspired her to bring it to the screen. Together, the two guests take listeners behind the scenes of the production, discussing their collaboration with co-director Kirsten Skytte and the artistic choices that give the film its distinctive visual identity.

Why explore the horrors of war through the eyes of a child's toy? How can filmmakers address such difficult history without overwhelming younger audiences, while still moving adults? And why create a film without a single spoken word, allowing music to become such an essential part of the storytelling?

These are just some of the questions the filmmakers explore in a candid and heartfelt conversation.

A moving and insightful interview about animation, family memory, and the extraordinary power of cinema to express what words sometimes cannot.

Listen to Jenna Suru's interview with Sascha Kempinski and Rebecca Pruzan on La Radio du Cinéma, and discover the remarkable true story behind Remember My Name.

Un petit ours en peluche nommé Mo, une famille juive dans le Danemark occupé de 1943 et une séparation imposée par la guerre. Voilà le point de départ de Remember My Name, un court-métrage d'animation de 15 minutes, sans aucun dialogue, qui poursuit son parcours dans les festivals internationaux et espère se distinguer aux Oscars 2027.

Pour La Radio du Cinéma, Jenna Suru a rencontré Sascha Kempinski, coréalisatrice du film, et Rebecca Pruzan, sa productrice, déjà nommée aux Oscars pour Ivalu.

Une histoire familiale longtemps restée dans le silence

Derrière ce film se cache une véritable histoire de famille. Celle des grands-parents de Sascha Kempinski, contraints de fuir le Danemark pendant la Seconde Guerre mondiale.

Au cours de l'entretien, la cinéaste revient sur cette mémoire transmise de génération en génération et partage une confidence particulièrement bouleversante : la réaction d'une proche, directement concernée par les événements, lorsqu'elle a découvert le film.

Un moment qui donne tout son sens à ce projet né d'une promesse familiale.

Pourquoi avoir choisi un ours en peluche ?

Rebecca Pruzan raconte comment elle a découvert cette histoire et décidé de l'adapter au cinéma. Les deux invitées dévoilent également les coulisses de la création, leur collaboration avec la coréalisatrice Kirsten Skytte et les choix artistiques qui donnent au film son identité.

Pourquoi raconter la guerre à travers le regard d'un jouet ? Comment toucher les enfants sans effrayer, mais aussi émouvoir les adultes ? Et pourquoi avoir fait le choix d'un film sans paroles, où la musique occupe une place essentielle ?

Autant de questions auxquelles les deux créatrices répondent avec sincérité.

Un entretien sensible et passionnant sur le cinéma d'animation, la mémoire familiale et la force des images pour raconter ce que les mots ne parviennent pas toujours à exprimer.

Écoutez l'interview de Sascha Kempinski et Rebecca Pruzan, réalisée par Jenna Suru pour La Radio du Cinéma, et découvrez l'histoire derrière Remember My Name.

Six années de tournage, une famille attachante ..un film lumineux, gonflé d’amour, qui laisse une douce nostalgie lorsque les lumières se rallument...

 Dans cette nouvelle chronique des Bobines d’Amandine, je vous partage mon coup de cœur et les confidences du réalisateur.

Et si les châteaux de la Loire étaient les véritables stars du cinéma ?

Pour inaugurer sa nouvelle série de podcasts consacrée aux lieux de tournage d'exception, La Radio du Cinéma vous ouvre les portes du majestueux Château royal d’Amboise, un lieu où l'Histoire et le 7ᵉ art se rencontrent.

Dominant la Loire, ce joyau de la Renaissance a traversé les siècles, accueilli les rois de France et inspiré de nombreuses productions audiovisuelles.

De The Serpent Queen à L'Art du crime, en passant par L'Oublié d'Amboise, découvrez comment ce monument historique se transforme en véritable plateau de cinéma.

Au micro de La Radio du Cinéma, Patrice Caillet vous entraîne dans les coulisses de ce décor exceptionnel, accompagné de Philippine, membre de l'équipe du château. Entre secrets d'Histoire, anecdotes de tournages, passages mystérieux et défis techniques des grandes productions.. Un voyage sonore inédit entre patrimoine, cinéma et secrets de tournage !

Écoutez dès maintenant ce premier épisode et découvrez pourquoi Amboise fait tourner la tête des cinéastes !

❤️ Remerciements

Un immense merci à l'ensemble des équipes du Château royal d'Amboise pour leur accueil chaleureux, leur disponibilité et leur passion communicative.

Un remerciement tout particulier à Philippine, qui a accompagné l'équipe de La Radio du Cinéma dans cette découverte privilégiée, partageant avec générosité les secrets et les anecdotes de ce lieu fascinant.

 Crédits du podcast

• Réalisation et écriture : Amandine BACCONNIER

• Animation et voix off : Patrice CAILLET

• Avec la participation : des équipes du Château royal d'Amboise

Découvrir et contacter le Château royal d'Amboise

Montée de l'Émir Abd El Kader, 37400 Amboise, France - 02 47 57 00 98

 contact@chateau-amboise.com

 www.chateau-amboise.com

Faut-il vraiment aimer avoir peur pour apprécier un film d'horreur ? Et si le fantastique réservait parfois des surprises bien plus troublantes que les monstres et les fantômes ?

Dans ce nouvel épisode du Faisceau, Laura, Quentin et Jérémy confrontent leurs goûts, leurs souvenirs et leurs découvertes. Trois sensibilités, des avis parfois divergents et quelques échanges savoureux autour du septième art.

Au programme également, des coups de cœur, un détour par les festivals de cinéma, des films attendus en salles et une sélection de musiques de films qui donnent le ton.

Un épisode plein de curiosité, d'humour et de passion cinéphile

Une sortie marquante, au cœur d’une programmation qui fait aussi la part belle au fantastique et aux histoires de famille...

C'est toute la question que pose Valentina Maurel dans Ton animal maternel, son deuxième long-métrage, présenté au Festival de Cannes, où ses trois interprètes féminines ont été collectivement récompensées.

Direction le Costa Rica, où Elsa revient après plusieurs années passées en Europe. Mais les retrouvailles familiales sont loin d'être chaleureuses. Sa jeune sœur Amalia, qui semble perdre pied avec la réalité, s'est enfermée dans un univers de croyances mystiques. Leur mère Isabel, écrivaine, aspire quant à elle à retrouver sa liberté et ses désirs, après des années consacrées à ses enfants.

Trois femmes, trois solitudes et une même difficulté : communiquer sans se juger.

Pendant deux jours, La Radio du Cinéma a posé ses micros au château de Grignan, dans la Drôme, pour un rendez-vous aussi original que passionnant. À l'occasion de l'Année Sévigné 2026, célébrant les 400 ans de la naissance de la célèbre marquise, le château s'est transformé en un formidable terrain de jeu autour de la langue française, de l'écriture, de la parole et de l'imagination.

Deux journées pour faire dialoguer les siècles, rapprocher la plume du XVIIe siècle des punchlines d'aujourd'hui, donner la parole aux artistes, aux passionnés d'histoire, aux professionnels du cinéma, aux équipes du château et, bien sûr, au public venu participer à cette grande fête des mots.

Il y avait de l'élégance, de l'humour, de l'improvisation, du slam, des lectures, des créations animées, des personnages en costumes et quelques belles surprises radiophoniques. Il y avait surtout cette envie commune de faire vivre un lieu exceptionnel, de raconter son histoire autrement et de rappeler que les mots, qu'ils soient écrits sur du papier ou prononcés devant un micro, continuent de nous réunir.

Pendant ce week-end, notre équipe, avec Patrice et Amandine aux micros, a multiplié les rencontres et les échanges. Nous sommes venus parler de Madame de Sévigné, naturellement, mais aussi de cinéma, de création, de transmission, de nouvelles technologies, de jeunesse et de cette incroyable capacité qu'ont les lieux chargés d'histoire à stimuler notre imaginaire.

Toutes ces rencontres sont à retrouver dans notre podcast spécial enregistré au château de Grignan. Et puisque la radio ne remplace jamais complètement l'expérience du terrain, nous n'aurons qu'un conseil à vous donner après l'écoute : venez découvrir ce château par vous-même !

Il suffit d'arriver à Grignan pour comprendre pourquoi ce lieu fascine autant. Le village, les ruelles, la montée vers le château, les façades majestueuses, les terrasses ouvertes sur les paysages de la Drôme provençale… Tout semble inviter à raconter des histoires. Mais ce week-end, le château n'était pas seulement un magnifique décor. Il était devenu une scène, un lieu de rencontres et d'expérimentation où le public pouvait aussi devenir acteur.

Le thème choisi, « Plumes et punchlines », résumait à merveille cette volonté de rapprocher les époques. Car si Madame de Sévigné est entrée dans l'histoire grâce à sa correspondance, son talent ne se limitait pas à la beauté de ses phrases. Elle savait observer son temps, raconter les événements, manier l'ironie, partager ses émotions et transformer une lettre en véritable récit. À bien des égards, cette femme de lettres avait compris quelque chose d'essentiel : les mots peuvent informer, séduire, faire rire, émouvoir et parfois même changer le regard que nous portons sur le monde.  Quatre siècles après sa naissance, son art trouve des échos inattendus dans le slam, l'improvisation théâtrale, la radio, le cinéma ou encore les formes contemporaines de communication.

C'est tout le sens de ces deux journées : ne pas enfermer Madame de Sévigné dans une vitrine, mais lui redonner une voix, une présence et une modernité.

Et pour La Radio du Cinéma, qui aime particulièrement explorer les liens entre les lieux, les images et les histoires, le rendez-vous était incontournable.

Arnaud Vincent Genot : faire vivre l'histoire plutôt que simplement la raconter

Parmi nos premières rencontres, celle avec Arnaud Vincent Genot, responsable des châteaux de la Drôme, a permis de comprendre toute l'ambition de cette Année Sévigné.

L'idée n'était pas de multiplier les célébrations officielles ou les hommages institutionnels. Il s'agissait de proposer aux habitants de la Drôme et aux visiteurs de véritables expériences, réparties tout au long de l'année, pour découvrir la marquise et son univers sous différents angles. Après les rendez-vous consacrés notamment au patrimoine viticole et aux reconstitutions historiques, ce nouveau temps fort mettait à l'honneur l'art de la parole et de l'écriture.

Comment les mots construisent-ils une pensée ? Comment réussit-on à transmettre une idée, une émotion, une conviction ? Que reste-t-il de l'art de la conversation au XVIIe siècle dans nos échanges contemporains ?

Autant de questions qui ont nourri un programme associant lectures, ateliers, théâtre, slam et médias. Au micro de La Radio du Cinéma, Arnaud Vincent Genot a également évoqué un sujet qui nous tient particulièrement à cœur : le château comme décor de cinéma.

Selon lui, les grandes demeures historiques étaient déjà pensées, à leur époque, comme des lieux de représentation. Le prestige de leur architecture, la mise en scène des espaces et la richesse de leurs décors participaient à une forme de théâtre social. Un réalisateur qui installe aujourd'hui sa caméra dans un château ne fait donc pas forcément violence à l'histoire. Il retrouve au contraire un lieu conçu pour impressionner, raconter et mettre en scène.

La conversation a naturellement dérivé vers les films de cape et d'épée, Jean Marais, les aventures historiques et l'idée d'accueillir de nouveaux tournages à Grignan.

Une perspective enthousiasmante, même si l'organisation d'un tournage dans un monument patrimonial implique des contraintes importantes. Pour les équipes du château, le cinéma peut aussi devenir un formidable outil de rayonnement culturel et touristique.

Le message est clair : les châteaux doivent continuer à ê re visités, partagés, filmés et racontés. Et bonne nouvelle pour ceux qui pensaient que ces deux journées marquaient la fin des festivités : l'Année Sévigné réserve encore des rendez-vous jusqu'en décembre 2026.

De la lettre au court-métrage : la Drôme célèbre aussi le cinéma d'animation

L'une des très belles découvertes de notre reportage concerne le concours de la correspondance animée, une initiative portée par le Département de la Drôme dans le cadre de l'Année Sévigné. Le principe était aussi simple que séduisant : inviter des habitants à écrire des lettres inspirées par des photographies d'archives représentant des lieux emblématiques du département, à la manière de Madame de Sévigné. Le projet a rencontré un bel écho avec 92 lettres reçues, témoignant de l'attachement des participants à leur territoire et du plaisir d'écrire. Après une sélection réalisée par un jury, huit lettres ont été proposées à de jeunes réalisateurs. Trois d'entre elles ont finalement été adaptées en courts-métrages d'animation.

Au micro de La Radio du Cinéma, Jérôme Duc-Maugé, du studio valentinois Parmi les Lucioles, nous a raconté les coulisses de cette aventure artistique. Car adapter une lettre au cinéma n'a rien d'évident. Il faut en retrouver l'esprit, les images, les sentiments, puis inventer une narration visuelle capable de transmettre l'essentiel en seulement quelques instants.

Les trois jeunes réalisateurs ont choisi des univers graphiques différents, en animation 2D, avec leurs propres sensibilités et techniques. Environ une minute trente pour chaque film : un format très court, mais suffisamment riche pour raconter une histoire, susciter une émotion et faire découvrir un territoire. Cette rencontre nous a également permis d'évoquer le dynamisme de la filière de l'image animée à Valence et dans la Drôme. Écoles, studios, producteurs, animateurs et réalisateurs participent à un écosystème créatif dont le rayonnement dépasse largement les frontières du département. Avec Jérôme Duc-Maugé, nous avons parlé du métier de producteur, du temps nécessaire pour faire naître un film, de la dimension collective de la création et des enjeux actuels de l'animation. Impossible, naturellement, d'éviter la question de l'intelligence artificielle. Un sujet sur lequel le producteur a défendu une position prudente, attachée au travail des artistes, aux emplois et à la responsabilité des studios.

Un projet collectif qui associe culture, patrimoine et jeunesse

Nous avons également échangé avec une représentante du Département de la Drôme sur la naissance et l'aboutissement de ce concours.

De la sélection des photographies dans les archives départementales aux espaces d'écriture ouverts notamment dans les médiathèques, en passant par le travail du jury et les rencontres avec les réalisateurs, c'est une chaîne de transmission qui s'est construite. Trois autrices amateurs ont vu leurs textes devenir des films. Trois regards sur la Drôme, trois sensibilités et trois interprétations graphiques qui démontrent que la correspondance peut encore être une formidable source de création. Le kiosque de Montélimar, l'univers d'une ancienne filature ou encore les Roches qui dansent figurent parmi les inspirations de ces réalisations. Il y a quelque chose de particulièrement émouvant à imaginer Madame de Sévigné découvrant que, quatre siècles après sa naissance, la correspondance continue d'inspirer de jeunes artistes et de nouvelles formes de cinéma.

Et c'est précisément ce que nous aimons raconter sur La Radio du Cinéma : ces rencontres inattendues entre une histoire, un territoire et des créateurs.

Les Excités : quand l'improvisation s'invite au siècle de Madame de Sévigné

Parmi les moments les plus savoureux de ces deux journées, notre rencontre avec la compagnie d'improvisation théâtrale Les Excités restera un joli souvenir. Imaginez des comédiens habitués à inventer des histoires sur le vif, à rebondir sur les propositions du public et à jouer avec le langage… soudain plongés dans le XVIIe siècle ! Le défi est déjà amusant : comment improviser en adoptant les expressions et les tournures d'une autre époque ? Comment éviter les mots trop modernes et retrouver, même quelques instants, le goût de la conversation d'autrefois ? Les comédiens nous ont raconté leur préparation, leurs essais de langage et leur plaisir à évoluer dans ce décor historique.

Mais sur La Radio du Cinéma, nous ne pouvions évidemment pas nous contenter d'une simple interview. Nous leur avons donc proposé un petit exercice en direct : tirer des expressions anciennes et les intégrer à une improvisation collective, avec un destinataire choisi pour l'occasion… le Père Noël ! Autant dire que le résultat valait son pesant de mots. Entre un Père Noël gentiment malmené, des revendications de cadeaux et l'arrivée d'un Père Fouettard particulièrement agacé, les comédiens ont offert aux auditeurs une séquence pleine d'humour, de spontanéité et de fantaisie. Une démonstration parfaite de ce qui faisait l'esprit du week-end : le patrimoine n'est jamais aussi vivant que lorsqu'on ose jouer avec lui.

Le théâtre d'improvisation a cette merveilleuse particularité de transformer la parole en spectacle immédiat. Rien n'est totalement écrit, tout peut arriver et le public devient un véritable partenaire de jeu. À Grignan, cette liberté trouvait un écrin exceptionnel.

Fifamet : la poésie n'a pas d'âge et le slam fait vibrer les pierres

Autre belle rencontre : celle avec Fifamet, slameuse franco-béninoise installée à Lyon, venue faire résonner ses textes dans les espaces du château. Ses thèmes de prédilection ? La paix, le vivre-ensemble, les relations humaines et le regard que nous portons sur notre société. Quel rapport entre une slameuse contemporaine et Madame de Sévigné ?

Bien davantage qu'on pourrait le croire. Toutes deux utilisent les mots pour observer leur époque, exprimer leurs convictions, raconter les êtres humains et transmettre une sensibilité.

La forme change, naturellement. La lettre devient texte scandé, la plume rencontre le micro, la lecture silencieuse laisse place à une parole incarnée.

Mais l'essentiel demeure : écrire pour partager quelque chose avec les autres.

Au cours de notre entretien, Fifamet a évoqué les réactions parfois étonnantes des visiteurs. Certains découvraient ses poèmes en pensant entendre des textes anciens, avant de comprendre que les sujets évoqués appartenaient pleinement à notre temps.

Une confusion révélatrice, finalement, de l'intemporalité de la poésie.

Nous lui avons posé une question toute simple : si elle pouvait adresser quelques mots à la marquise, que lui dirait-elle ?

Sa réponse résume presque à elle seule l'esprit de ce rendez-vous :

« La poésie vit encore et les mots nous font toujours vibrer. Merci d'avoir partagé les vôtres. »

Une très belle manière de relier les générations.

Et peut-être aussi l'un des plus beaux hommages que l'on puisse rendre à une femme qui a consacré tant de temps à écrire.

Thomas Louet et Adèle Mariotte : ceux qui font découvrir le château au quotidien

Un monument historique ne vit pas uniquement grâce à ses murs, à ses collections ou à son architecture. Il vit aussi grâce aux personnes qui l'accueillent, le connaissent, l'expliquent et le transmettent.

C'est pourquoi nous avons souhaité tendre notre micro à Thomas Louet et Adèle Mariotte, médiateurs culturels au château de Grignan. Tous deux nous ont raconté leur première rencontre avec ce lieu impressionnant. Thomas se souvient de sa découverte du château, de son architecture et de tout ce qu'il a dû apprendre pour comprendre la société du XVIIe siècle. Adèle évoque notamment le souvenir d'une visite destinée aux enfants, animée par un collègue en costume, et de son émerveillement devant leur attention et leur curiosité. Leurs témoignages rappellent à quel point la médiation culturelle est un métier de passion.

Il ne suffit pas de connaître des dates ou de réciter des anecdotes historiques. Il faut savoir captiver, susciter des questions, créer des liens avec notre présent et donner envie d'aller plus loin. Car une visite réussie est souvent celle qui provoque une émotion ou une interrogation que l'on emporte avec soi. Et puisque nous sommes La Radio du Cinéma, nous leur avons aussi demandé quel film ils rêveraient de voir tourner au château. Les réponses ont fait la part belle aux costumes, aux récits historiques et aux intrigues de cour, mais aussi à des histoires inspirées des grandes affaires judiciaires du XVIIe siècle.

De quoi imaginer quelques scénarios !

Noémie Gruère : un patrimoine qui se découvre, se partage et se réinvente

Pour ouvrir notre deuxième journée d'émission, Noémie Gruère est venue nous retrouver au micro afin de revenir sur les animations et les premières impressions du public.

Près de 700 visiteurs avaient été évoqués pour la première journée. Certains étaient venus spécialement pour assister aux lectures, aux spectacles de slam ou aux improvisations. D'autres découvraient le programme en arrivant au château et se laissaient surprendre au détour d'une salle. Cette diversité des publics et des réactions est précisément ce qui fait la richesse d'un tel événement. On peut venir à Grignan pour admirer son architecture et repartir avec l'envie de relire Madame de Sévigné.

On peut s'intéresser à l'histoire et découvrir le slam.

On peut accompagner ses enfants à une animation et se retrouver soi-même passionné par une conversation autour du cinéma ou de la littérature.

Noémie Gruère a insisté sur une idée essentielle : un château ne doit jamais devenir un lieu figé.

Il doit continuer à surprendre, à accueillir de nouveaux regards et à proposer des expériences qui donnent envie de revenir. Cette ambition est particulièrement importante pour les jeunes générations, habituées aux images rapides et aux contenus numériques. Face à un véritable décor historique, à une grande salle, à une terrasse dominant le paysage ou à un personnage en costume, quelque chose de différent se produit.

On quitte l'écran pour entrer dans une expérience réelle. Et c'est précisément là que le patrimoine révèle toute sa force.

Quand le cinéma dialogue avec Madame de Sévigné

Pendant ces deux journées, notre équipe a naturellement glissé quelques références cinématographiques au fil des émissions. Car les mots, les lettres, les intrigues de cour et les histoires d'amour ont toujours inspiré les réalisateurs.

Nous avons notamment évoqué Cyrano de Bergerac, le film de Jean-Paul Rappeneau, où les alexandrins d'Edmond Rostand prennent une dimension spectaculaire, mais aussi Le Roi danse, qui nous transporte dans l'univers artistique et politique de Louis XIV. Sans oublier Ridicule, où l'art de la formule et du bon mot devient une véritable arme sociale. Et puis il y a eu un détour plus inattendu par Vous avez un mess@ge, avec Meg Ryan et Tom Hanks.

Quel rapport avec Madame de Sévigné ?

La correspondance, bien sûr !

Dans le film, deux personnes apprennent à se connaître et à s'aimer en échangeant des messages électroniques. Au XVIIe siècle, les lettres permettaient déjà d'entretenir des liens, de raconter son quotidien, d'attendre impatiemment une réponse et de faire vivre des sentiments malgré la distance. Le support a changé, mais l'émotion reste étonnamment familière. Entre la lettre manuscrite, le courrier électronique et nos messages instantanés, il existe peut-être une même histoire : celle de notre besoin d'écrire aux autres. Une belle occasion de rappeler que le cinéma peut aussi nous aider à regarder l'histoire autrement.

Et le public dans tout ça ? Au cœur de l'aventure, évidemment !

Ces deux journées n'auraient pas eu la même saveur sans les visiteurs qui ont accepté de jouer le jeu. Parce que La Radio du Cinéma aime aller à la rencontre de celles et ceux qui font vivre les événements, nous avons invité le public à participer, à réagir, à s'exprimer et parfois même à prendre le micro. Petits et grands ont pu découvrir le plaisir de parler comme autrefois, d'inventer des phrases, de jouer avec des expressions anciennes et de se laisser entraîner dans des échanges inattendus. Un exercice parfois intimidant, souvent drôle, et toujours révélateur d'une chose : chacun possède sa propre manière de raconter le monde. Un mot peut déclencher un sourire. Une phrase peut faire surgir un souvenir. Une déclaration improvisée peut transformer quelques secondes de radio en un petit moment de théâtre.

Et finalement, la radio n'est-elle pas elle aussi un art de la correspondance ?

On adresse des paroles à des personnes que l'on ne voit pas nécessairement, on partage des histoires, on crée de la proximité à distance et l'on attend, parfois, une réaction. Pendant ces deux jours, les micros sont devenus un trait d'union entre les visiteurs, les artistes, les équipes du château et les auditeurs. C'est exactement la radio que nous aimons faire : curieuse, accessible, spontanée et ouverte à toutes les générations.

L'Année Sévigné continue : une invitation à pousser les portes du château

Ce week-end « Plumes et punchlines » restera un temps fort de l'Année Sévigné, mais il ne marque pas la fin des célébrations.
Au cours des vacances de la Toussaint 2026, le château a notamment prévu de faire revivre l'affaire Fouquet, cette grande histoire judiciaire que Madame de Sévigné a suivie et racontée à travers ses écrits.
Puis viendra le Grand Noël de Madame de Sévigné, avec une mise en scène festive des salles du château pendant le mois de décembre.
Autant de nouvelles occasions de découvrir ce lieu autrement.
Car, au-delà des événements ponctuels, le château de Grignan mérite évidemment une visite pour lui-même.
Pour son histoire, ses espaces, ses décors, ses collections, ses perspectives et les paysages qui l'entourent.
Pour rencontrer les équipes qui partagent quotidiennement leur passion.
Pour comprendre un peu mieux ce que fut la vie au temps de Madame de Sévigné.
Et surtout, pour ressentir ce que les photographies, les vidéos et même les plus beaux podcasts ne peuvent jamais totalement transmettre : l'émotion d'être là.
À La Radio du Cinéma, nous croyons profondément que les images et les sons donnent envie de découvrir les lieux. Mais nous croyons tout autant que rien ne remplace l'expérience de les parcourir.
Alors oui, écoutez nos émissions, découvrez nos invités, partagez nos podcasts et laissez-vous transporter par les voix de Grignan.

Mais ensuite, venez !
Poussez les portes du château, prenez le temps de regarder, de poser des questions, d'imaginer les personnages qui ont traversé ces lieux.
C'est encore la plus belle façon de prolonger cette aventure.