Le concours est ouvert aux compositeurs sans condition d’âge ni de nationalité. Sont notamment acceptés la pop, le jazz, les chansons, les œuvres instrumentales, la musique électronique, les productions assistées par ordinateur, les créations Vocaloid ainsi que les musiques de film et de jeux vidéo.

Une seule personne compositrice par œuvre

Chaque œuvre présentée doit avoir été composée par une seule personne. Les œuvres co-composées ne sont pas admises. En revanche, d’autres personnes peuvent intervenir pour les paroles, les arrangements, l’interprétation, le chant, l’enregistrement ou la production.

Pour candidater, il faut fournir un lien vers un enregistrement audio ou vidéo, accessible sans compte ni mot de passe et qui doit rester disponible jusqu’à l’annonce des résultats. Une partition, les paroles ou un document PDF présentant l’œuvre peuvent être ajoutés, mais restent facultatifs.

Date limite : 31 janvier 2027

Les candidatures doivent être déposées avant le 31 janvier 2027 à 23 h 59 GMT.

Les frais d’inscription sont fixés à 5 000 yens par œuvre, puis passent à 7 000 yens pendant les 14 derniers jours, du 18 au 31 janvier. Un retour consolidé du jury peut être demandé en option pour 5 000 yens supplémentaires.

Le Grand Prix est doté d’un total de 100 000 yens, attribué en principe à un lauréat mais pourra être partagé entre deux gagnants. Environ 35 prix spéciaux sont également prévus. Les résultats seront annoncés le 28 février 2027.

Candidatures et règlement

Le règlement complet et le formulaire d’inscription sont disponibles sur le site officiel d’Ise-Shima Art Company : ISAC 2027 – règlement et inscription.

Le cinéma italien y apparaît aussi multiple que son territoire, entre comédies populaires, fictions engagées et documentaires sensibles.

Cette année, un fil rouge mène vers la Sicile. Dans Gioia Mia, Margherita Spampinato confronte un garçon milanais hyperconnecté à sa grand-tante, gardienne d’un autre temps : derrière le choc des habitudes, une délicate histoire de transmission. Les Lucia, premier long métrage de Clizia Centorrino présenté en première française, explore une procession religieuse à Savoca et questionne le poids des traditions sur les femmes. La cinéaste viendra en parler samedi 21 novembre à 18 h. Autre portrait d’île, Ferdinando Scianna – Le Photographe de l’ombre, documentaire de Roberto Andò, suit le grand photographe sicilien et interroge notre façon de regarder le monde.

Dès l’ouverture, mardi 17 novembre à 20 h, le festival donne le ton avec Criature, premier film de fiction de Cécile Allegra, en présence de la réalisatrice. À Naples, un éducateur de rue tente de soustraire des adolescents à l’emprise de la Camorra grâce aux arts du cirque. Un récit d’espoir et de résistance, précédé à 19 h 15 d’un buffet italien offert : Festivita n’oublie jamais le goût du partage.

La rencontre se poursuit samedi 21 novembre à 20 h avec Karen Di Porto et Il Grande Boccia (Boccia le Magnifique), réjouissante plongée dans la Cinecittà des années 1960, sur les pas d’un réalisateur prêt à tourner quatre films à la fois. Une déclaration d’amour aux artisans du cinéma, à son système D et à ses folies. Lundi 23 novembre à 19 h, autre rendez-vous fort : Francesco Del Grosso présente Nyumba, documentaire mêlant prises de vues réelles et animation de sable pour raconter des parcours migratoires et la reconstruction de vies en Calabre. Une séance organisée avec Migrant’Scène et La Cimade.

Le voyage passe aussi par la Sardaigne avec La Vita va così, où un berger refuse de céder son littoral aux promoteurs ; par les ambiguïtés du désir avec La Tentazione, porté par Valeria Golino et Jasmine Trinca ; ou par la comédie romantique Che Dio perdona a tutti, où l’amour se heurte à la foi. Et pour les familles, le Pinocchio animé d’Enzo d’Alò rappelle que l’imaginaire italien se transmet dès cinq ans.

Découvertes, grands noms et jeunes voix ..  Festivita préfère les chemins de traverse aux cartes postales.

Festivita, du 17 au 24 novembre à LUX Scène nationale, 36 boulevard du Général-de-Gaulle, Valence. Programme et réservations : lux-valence.com.

Des œuvres à redécouvrir

De Rocco et ses frères à Le Guépard, de Mort à Venise à L'Innocent, Visconti explore les liens familiaux, les transformations sociales et le passage du temps. Il a également travaillé à la mise en scène théâtrale et lyrique.

Un anniversaire pour revisiter son cinéma

Cette date du 2 novembre rappelle l'étendue d'une carrière qui appartient autant à l'histoire du cinéma italien qu'à celle du cinéma mondial.

De Muriel au cinéma international

Avec Muriel (1994), Toni Collette se fait connaître bien au-delà de l'Australie. Elle apparaît ensuite dans Sixième Sens (1999) et Little Miss Sunshine (2006), deux rôles marquants de sa filmographie.

Une présence aussi à la télévision

Dans la série United States of Tara, elle interprète le personnage principal, une prestation récompensée notamment par un Emmy Award. Une bonne occasion de retrouver l'actrice à travers ses films et ses séries.

Ivan Drago, le rôle qui change sa carrière

Après une apparition dans Dangereusement vôtre en 1985, l'acteur suédois se fait connaître avec Rocky IV, aux côtés de Sylvester Stallone. Il retrouvera le personnage d'Ivan Drago dans Creed II (2018).

Du cinéma d'action à la culture populaire

Sa filmographie comprend également Les Maîtres de l'univers (1987) et Punisher (1989). Ce 3 novembre est l'occasion de revenir sur les personnages qui ont fait de Dolph Lundgren un visage reconnaissable du cinéma d'action.

« Vous ne passerez pas ! »

Difficile de prononcer ces quatre mots sans entendre la voix de Gandalf. Dans Le Seigneur des anneaux : La Communauté de l'anneau, le magicien fait face au Balrog. Une scène que beaucoup ont gardée en mémoire. 

Dans Le film, Gandalf prononce une réplique légèrement différente de celle écrite par J. R. R. Tolkien.

• Dans le film en VO (2001) : « You shall not pass! » — « Vous ne passerez pas ! »

• Dans le roman original (1954) : « You cannot pass! » — « Vous ne pouvez pas passer ! »

Et derrière la caméra ? Peter Jackson, né le 31 octobre 1961, en Nouvelle-Zélande. Le réalisateur fête aujourd'hui ses 65 ans. Né le jour d'Halloween, il a commencé sa carrière avec des films peuplés de monstres, de créatures étranges et d'un humour particulièrement décalé.

Avant les hobbits, il y avait les monstres !

Pour découvrir les débuts de Peter Jackson, direction Bad Taste, sorti en 1987. Un film de science-fiction horrifique qu'il a fabriqué avec des amis, beaucoup d'imagination et des moyens limités.

Puis vient Braindead, en 1992. Là encore, le réalisateur s'amuse avec les codes du cinéma d'horreur.

Quelques années plus tard, changement d'univers : Peter Jackson emmène les spectateurs dans la Terre du Milieu imaginée par J. R. R. Tolkien.

Entre 2001 et 2003, trois films racontent l'aventure de Frodon, Sam, Aragorn, Gandalf et leurs compagnons. Trois chapitres à découvrir dans l'ordre, pour suivre toute l'histoire.

Et si on reconnaissait un film à sa musique ?

Fermez les yeux quelques secondes et imaginez les collines de la Comté.

Si vous connaissez Le Seigneur des anneaux, une mélodie vous vient peut-être déjà à l'esprit.

Elle s'appelle « Concerning Hobbits ». On la doit au compositeur Howard Shore, auteur de la musique des trois films.

Quelques notes suffisent pour retrouver l'univers des hobbits. C'est aussi toute la magie des musiques de cinéma, celles que nous aimons faire entendre sur La Radio du Cinéma.

Peter Jackson, aussi du côté des Beatles

Autre porte d'entrée dans son univers : The Beatles: Get Back.

Cette minisérie documentaire en trois épisodes, sortie en 2021, nous plonge dans les sessions d'enregistrement des Beatles en janvier 1969.

On y retrouve John Lennon, Paul McCartney, George Harrison et Ringo Starr au travail, jusqu'à leur concert sur un toit londonien. Une autre manière de découvrir Peter Jackson : cette fois, ce sont les images d'archives et la musique qui racontent l'histoire.

En mai 2026, le Festival de Cannes lui a remis une Palme d'or d'honneur pour l'ensemble de sa carrière.

La réplique du jour

« Vous ne passerez pas ! » — Gandalf, dans Le Seigneur des anneaux : La Communauté de l'anneau (2001).

Et pour prolonger le voyage, retrouvez les musiques de films et de séries sur La Radio du Cinéma.

Parce que parfois, une simple mélodie suffit à nous donner envie de revoir tout un film.

À écouter : « Concerning Hobbits » — Howard Shore, Le Seigneur des anneaux : La Communauté de l'anneau (2001).

À découvrir : Bad Taste (1987), Le Seigneur des anneaux (2001-2003) et The Beatles: Get Back (2021).

Pour plusieurs générations de spectateurs, son visage reste celui du capitaine Jean-Luc Picard dans Star Trek et du professeur Charles Xavier dans X-Men. Deux personnages très différents, réunis par une même présence : un regard attentif, une autorité tranquille et cette voix grave qui donnait du poids au moindre mot.

Avant d'embarquer à bord de l'Enterprise et de diriger l'école des mutants, Patrick Stewart avait passé des décennies sur scène. Son histoire est aussi celle d'un comédien de Shakespeare devenu, passé la quarantaine, une figure majeure de la culture populaire.

Jean-Luc Picard, le capitaine qui préférait convaincre

En 1987, à 47 ans, Patrick Stewart devient le capitaine de l'USS Enterprise dans Star Trek : La Nouvelle Génération. La série dure sept saisons, jusqu'en 1994. L'acteur retrouve ensuite Picard dans quatre longs métrages, puis dans Star Trek: Picard, diffusée de 2020 à 2023.

À l'opposé du héros qui règle chaque conflit par la force, son Picard défend la réflexion, la diplomatie et la vérité. Sa manière de commander tient parfois dans quelques syllabes, immédiatement reconnaissables pour les fans.

Ces répliques qui ont rendu sa voix culte

• « Make it so. » — L'ordre bref par lequel Picard transforme une décision en action.
• « Engage! » — Le signal du départ, associé à l'Enterprise et à ses voyages.
• « Tea. Earl Grey. Hot. » — Sa célèbre commande de thé au réplicateur.
• « The line must be drawn here… this far, no further! » — Une explosion de colère face aux Borgs dans Star Trek : Premier Contact (1996).

Ces phrases, dont plusieurs sont commentées sur le site officiel de Star Trek, racontent aussi l'éventail de son jeu : l'humour discret, la maîtrise et, lorsque la situation l'exige, une émotion à vif. L'épisode des « quatre lumières » reste l'une de ses performances les plus éprouvantes.

Charles Xavier, l'autre grand rôle de sa vie

En 2000, Patrick Stewart prête ses traits au professeur Charles Xavier dans X-Men. Télépathe, fondateur d'une école pour jeunes mutants, Xavier croit à la coexistence plutôt qu'à l'affrontement. L'acteur incarne cette conviction face au Magnéto de son ami Ian McKellen, puis accompagne plusieurs générations de héros, notamment Wolverine, joué par Hugh Jackman.

Dès l'ouverture du premier film, sa voix pose le thème de la saga : « Mutation: it is the key to our evolution. » (« La mutation est la clé de notre évolution »). Avec Logan en 2017, Stewart retrouve un Charles Xavier vieillissant et vulnérable, dans l'un de ses rôles les plus émouvants. Il réapparaît également dans Doctor Strange in the Multiverse of Madness (2022).

Du Yorkshire à Shakespeare, une carrière bien plus vaste

Né le 13 juillet 1940 à Mirfield, dans le Yorkshire, Patrick Stewart découvre Shakespeare à l'école. Il se forme au théâtre et rejoint la Royal Shakespeare Company en 1966. Macbeth, Claudius dans Hamlet, Antoine dans Antoine et Cléopâtre : ses interprétations lui valent une reconnaissance qui précède de loin Hollywood. Il partage aussi la scène avec Ian McKellen, notamment dans En attendant Godot.

Au cinéma, on le retrouve dans Excalibur de John Boorman (1981), Dune de David Lynch (1984), puis dans des rôles très différents, jusqu'au thriller Green Room. Il prête également sa voix à de nombreux personnages d'animation et à des narrations. Anobli en 2010, il publie en 2023 ses mémoires, Making It So : trois mots de Picard devenus le titre d'une vie.

Les hommages et un dernier rendez-vous au cinéma

Ian McKellen, Hugh Jackman et plusieurs interprètes de Star Trek ont rendu hommage à leur ami et partenaire. Marvel Studios a également rappelé la place de son professeur Xavier dans l’histoire des films X-Men. Patrick Stewart figure à la distribution de Avengers: Doomsday, annoncé pour le 16 décembre 2026.

Patrick Stewart laisse derrière lui des décennies de théâtre, des films, des séries et des phrases que les spectateurs savent reconnaître dès les premiers mots. L'Enterprise a perdu son capitaine ; le cinéma, une voix que l'on n'oublie pas.

Le projet bénéficie d’une autorisation du ministère chinois de l’Éducation, qui encadre son fonctionnement, ses formations et ses diplômes.

Le HPFI s’installe à Shijiazhuang, capitale de la province du Hebei, au sud-ouest de Pékin. L’institut associe les compétences pédagogiques de l’ESRA aux infrastructures et à l’expérience universitaire de son partenaire chinois.

L’initiative avait été annoncée en avril 2026. Sa concrétisation marque une nouvelle étape dans l’internationalisation de l’école française, déjà présente dans plusieurs villes françaises ainsi qu’à Bruxelles et New York.

La cérémonie officielle du 17 octobre a réuni David Azoulay, président de l’ESRA, Benjamin Azoulay, vice-président, et plusieurs représentants de l’université chinoise (Photo)

L’inauguration s’inscrit également dans une dynamique universitaire plus large. Une conférence internationale consacrée aux technologies de l’image s’est tenue sur le campus au cours de la même période, avec la participation de représentants de l’ESRA.

Cinéma, animation et son : quatre années de formation

Les étudiants chinois se répartissent dans trois spécialités : la réalisation et les techniques audiovisuelles, l’animation et les métiers du son.

Les formations s’appuient sur les enseignements de l’ESRA, dispensés sur place par des professeurs français. Un apprentissage intensif de l’anglais complète le programme.

Selon le registre des formations internationales du ministère chinois de l’Éducation, les études durent quatre ans. L’autorisation porte sur une capacité totale de 840 étudiants, avec un recrutement prévu de 70 étudiants par spécialité et par an, soit 210 places annuelles autorisées.

Le dispositif de recrutement est approuvé pour la période 2026-2035, et l’autorisation administrative demeure valable jusqu’au 31 décembre 2039.

Le programme prévoit la délivrance de diplômes universitaires chinois ainsi que de diplômes français de l’ESRA, selon les règles applicables aux formations concernées.

Les étudiants peuvent ainsi prétendre, dans le cadre du cursus, au diplôme chinois correspondant et à l’un des trois diplômes français : DESRA pour l’audiovisuel, DESTS pour le son et DESFA pour l’animation. Le registre officiel précise qu’un séjour d’études à l’étranger n’est pas une condition obligatoire pour obtenir le diplôme français.

Cette organisation constitue l’un des principaux intérêts du projet : proposer une formation internationale sans imposer aux étudiants chinois de quitter leur pays.

Des studios de cinéma et un équipement Dolby Atmos

Le nouvel institut occupe un bâtiment rénové en 2026 et consacré aux enseignements audiovisuels.

Les équipements comprennent deux salles de projection de 180 et 80 places, un studio de motion capture, un plateau de télévision avec régie multicaméra et plusieurs studios d’enregistrement et de postproduction sonore.

L’établissement possède également un studio de mixage certifié Dolby Atmos, une technologie utilisée dans la création de bandes-son immersives pour le cinéma et d’autres productions audiovisuelles.

Ces installations doivent permettre aux étudiants de travailler sur l’ensemble de la fabrication d’un film : préparation, tournage, animation, montage, création sonore et mixage.

L’intelligence artificielle prend aussi sa place dans les formations

Le 21 octobre 2026, chercheurs, enseignants, spécialistes du cinéma et jeunes créateurs y ont abordé les transformations de la production audiovisuelle à l’ère de l’intelligence artificielle.

Les échanges ont notamment porté sur l’animation assistée par IA, les nouveaux procédés de création visuelle et la place du réalisateur dans des productions qui associent intervention humaine et outils génératifs.

Le programme comprenait aussi des manifestations du Future Short Film Festival. Cette édition avait reçu 1 646 courts métrages provenant de plus de 100 établissements, avec une catégorie consacrée aux films créés à l’aide de l’intelligence artificielle.

Le HPFI cherche par ailleurs à développer des relations avec les entreprises du secteur. Le 24 septembre 2026, l’université chinoise annonçait une réunion avec Hebei Baiyue Culture Communication, société active dans la production audiovisuelle, la création numérique et les contenus générés par IA.

Les discussions ont porté sur des stages, des projets professionnels, la création de formations communes et les besoins de recrutement. Il s’agit à ce stade d’une démarche de coopération, et non d’un programme de stages définitivement contractualisé.

Une université chinoise déjà récompensée au Festival de Cannes

La Hebei University of Science and Technology n’a pas attendu cette coopération française pour se faire remarquer dans les festivals internationaux.

En 2022, Li Jiahe, étudiant de son école de cinéma, a remporté le deuxième prix de La Cinef au 75e Festival de Cannes pour son court métrage Di Er (Somewhere).

Produit en 2021, ce film chinois de 23 minutes raconte une soirée improvisée autour de la sortie de prison d’un homme, avant qu’un événement inattendu ne bouleverse les projets des personnages.

David Azoulay veut développer les échanges cinématographiques

Pour le président de l’ESRA, l’enjeu dépasse la formation technique.

David Azoulay insiste sur la richesse de la culture cinématographique chinoise et sur son potentiel de diffusion à l’international.

Il estime que les créations chinoises pourraient gagner davantage de visibilité en Europe au cours des vingt prochaines années et que les étudiants formés dans ce nouvel institut pourront contribuer à cette évolution.

Son ambition rejoint celle des représentants chinois réunis lors de la conférence sur les technologies de l’image : favoriser les échanges artistiques et préparer les futurs professionnels aux évolutions du secteur.

L’ESRA entretient déjà, depuis 2023, des relations avec la Beijing Film Academy, autre établissement majeur de la formation cinématographique chinoise.

Avec le HPFI, cette coopération prend une dimension supplémentaire, puisqu’elle repose désormais sur un cursus conjoint reconnu par les autorités éducatives chinoises.

Un nouveau lien culturel avec l’industrie du cinéma chinois

Le projet intervient dans un contexte où les écoles de cinéma doivent adapter leurs formations à des métiers en transformation : production virtuelle, intelligence artificielle, animation numérique, postproduction et son immersif.

Pour les étudiants chinois, le HPFI donne accès à des méthodes pédagogiques françaises et à une approche internationale des métiers de l’image.

Pour l’ESRA, cette implantation ouvre des perspectives de coopération artistique, pédagogique et professionnelle avec l’industrie audiovisuelle chinoise.

Reste à mesurer, au fil des promotions, les résultats concrets de ce rapprochement : les films produits, les collaborations internationales, la circulation des étudiants et leur insertion dans les métiers du cinéma.

C’est sur ces réalisations que se jugera, à terme, la réussite de cette nouvelle école franco-chinoise.

Le cinéma chinois en pleine mutation

Avec environ 93 000 écrans, la Chine possède le plus grand parc cinématographique au monde. Malgré un recul de plus de 40 % de son box-office au premier semestre 2026, le marché reste considérable, avec plus de 784 millions d'entrées enregistrées début octobre 2026.

Les productions nationales dominent les salles chinoises. Le succès mondial du film d'animation Ne Zha 2, qui a dépassé les deux milliards de dollars de recettes en 2025, illustre la montée en puissance des studios chinois et leur capacité à rivaliser avec Hollywood.

Le secteur investit dans les nouvelles technologies, notamment l'intelligence artificielle, l'animation numérique et le son immersif. Mais son principal défi reste la conquête du public international : beaucoup de succès chinois demeurent méconnus en Europe.

C'est dans ce contexte que l'ESRA ouvre son école franco-chinoise. Au-delà de la formation technique, le HPFI pourrait favoriser les coproductions et les échanges artistiques, tout en contribuant à une meilleure diffusion du cinéma chinois à l'étranger.

Informations pratiques

HEBUST Paris Film Institute (HPFI)

• Site officiel du HPFI en Chine
• Hebei University of Science and Technology
• Adresse : 26 Yuxiang Street, district de Yuhua, Shijiazhuang, Hebei, Chine
• Courriel : hpfi@hebust.edu.cn
• Téléphone : +86 311 8166 8888
• Autorisation du ministère chinois de l’Éducation

ESRA — École supérieure de réalisation audiovisuelle

• Site officiel de l’ESRA
• Présentation de l’inauguration du HPFI
• Contact presse : presse@esra.edu

Comment réduire la facture électrique d’une radio qui diffuse 24 heures sur 24 ? La Radio du Cinéma expérimente deux solutions de stockage Zendure associées à ses panneaux photovoltaïques. Une expérience concrète pour maîtriser les dépenses énergétiques du studio et réfléchir au coût d’une éventuelle diffusion en FM ou en DAB+.

Une radio qui ne s’arrête jamais

À La Radio du Cinéma, la musique ne s’arrête jamais. Bandes originales, chansons de films, répliques cultes, chroniques, interviews et podcasts se succèdent jour et nuit.

Derrière cette programmation se trouvent des équipements indispensables : ordinateurs, connexion Internet, réseau informatique, stockage des fichiers audio, matériel d’enregistrement et de contrôle.

Même si une partie de notre diffusion est assurée par les serveurs de notre prestataire RadioKing, nos équipements locaux doivent rester disponibles pour produire les contenus, préparer les programmes et assurer le suivi de l’antenne.

Cette activité représente une consommation électrique relativement modeste à l’échelle d’une entreprise, mais permanente pour certains équipements.

Nous avons donc décidé d’examiner comment notre installation solaire pourrait contribuer à réduire les dépenses énergétiques de la station.

Dix panneaux solaires et deux systèmes Zendure

Notre installation photovoltaïque comprend dix panneaux équipés de micro-onduleurs Enphase.

Ils produisent de l’électricité pendant la journée, mais cette production ne coïncide pas toujours avec les besoins de nos équipements.

En plein soleil, nous pouvons disposer d’un excédent. Le soir et pendant la nuit, nous devons généralement prélever davantage d’électricité sur le réseau.

Pour mieux exploiter cette production, nous avons entrepris une expérimentation avec Zendure, autour de deux systèmes complémentaires.

Le SolarFlow 2400 AC+ : stocker une partie de notre production

Le SolarFlow 2400 AC+ dispose d’une batterie de 2,4 kWh et fonctionne avec notre installation électrique en courant alternatif.

Son principal intérêt est de permettre le stockage d’une partie du surplus photovoltaïque produit par notre installation existante, sans remplacer les micro-onduleurs.

Dans notre utilisation, nous cherchons à le faire fonctionner comme un tampon énergétique : récupérer de l’électricité lorsqu’elle est disponible, puis en restituer lorsque la production solaire devient insuffisante.

Le SolarFlow 800 : une installation complémentaire

Notre première acquisition a été Le SolarFlow 800 qui fonctionne avec deux panneaux photovoltaïques dédiés et une batterie AB2000S de 1,92 kWh.

Contrairement au SolarFlow 2400 AC+, il utilise sa propre production solaire. Les deux appareils ne constituent donc pas une batterie unique, mais deux systèmes distincts.

Au total, notre expérimentation représente 4,32 kWh de capacité nominale de stockage.

Cette capacité doit être interprétée avec prudence : les réserves de sécurité, les pertes de conversion et le fonctionnement indépendant des appareils réduisent la quantité d’énergie réellement utilisable.

Installer les batteries, c’est aussi apprendre à gérer l’énergie

Notre première difficulté n’a pas été la production solaire, mais la mesure et la coordination des équipements.

Le compteur intelligent Zendure 3CT nous permet de suivre les échanges électriques de l’installation.

Nous avons ensuite configuré les communications, vérifié les connexions Wi-Fi et ajusté les paramètres de fonctionnement des batteries.

L’objectif est simple : consommer prioritairement l’électricité produite par les panneaux, stocker une partie des excédents et utiliser cette réserve lorsque le soleil ne suffit plus.

Nous avons également choisi de préserver une réserve minimale d’énergie. Nous préférons accepter ponctuellement un faible prélèvement sur le réseau électrique plutôt que de multiplier inutilement les cycles de charge et de décharge.

Pour suivre ces résultats, nous croisons les informations remontées par Zendure avec celles d’Ecojoko et de notre environnement Home Assistant.

Ces premiers essais nous ont surtout permis de mieux comprendre le comportement des systèmes. Nous ne disposons pas encore d’un bilan suffisamment long pour annoncer une économie annuelle réellement constatée.

Quelle consommation électrique pour La Radio du Cinéma ?

Nos besoins énergétiques se répartissent entre deux catégories.

La première concerne les équipements qui doivent fonctionner durablement : connexion Internet, réseau et matériels nécessaires au suivi de l’activité.

La seconde concerne les équipements utilisés pendant les productions : ordinateurs de montage, écrans, interfaces audio, micros, enceintes de contrôle et éclairage.

Pour établir une première estimation, nous avons retenu un scénario comprenant une consommation permanente moyenne de 120 watts, complétée par les équipements utilisés ponctuellement en studio.

Cela représente environ 2,88 kWh par jour pour la seule consommation permanente. En ajoutant les périodes de production, nous pouvons retenir un ordre de grandeur de 4 kWh par jour.

Sur une année, ce scénario correspond à environ 1 460 kWh, nous sommes, encore, une petite structure.

Avec une capacité nominale de stockage de 4,32 kWh, les deux systèmes Zendure peuvent contribuer à couvrir une part significative de ces besoins lorsqu’ils disposent d’énergie stockée.

Il ne faut cependant pas en déduire que les batteries peuvent alimenter automatiquement l’ensemble du studio pendant une journée ou prendre le relais en cas de coupure générale. Leur fonctionnement, leur implantation et les dispositifs de secours éventuels doivent être pris en compte.

Et si La Radio du Cinéma diffusait un jour en FM ou en DAB+ ?

Notre expérience solaire soulève une autre question : quel serait le coût énergétique d’une diffusion par voie hertzienne, au-delà de notre diffusion actuelle sur Internet ?

La différence serait considérable.

Une radio sur Internet utilise des infrastructures de diffusion mutualisées et des serveurs distants. En FM ou en DAB+, il faut également acheminer le programme vers des émetteurs capables de couvrir un territoire.

Ces équipements fonctionnent 24 heures sur 24 et nécessitent de l’électricité, des installations techniques et une maintenance permanente.

Des opérateurs spécialisés comme TDF proposent précisément ce type de prestations.

La FM : une installation dédiée

En FM, chaque fréquence nécessite une infrastructure de diffusion adaptée à sa zone de couverture.

La consommation électrique dépend notamment de la puissance de l’émetteur, de son rendement et des installations associées.

Pour une radio souhaitant faire appel à TDF, la facture ne correspond donc pas seulement aux kilowattheures consommés. Elle peut également intégrer l’utilisation d’un site, les équipements, les antennes, la supervision et la maintenance.

Il n’existe pas de tarif public unique permettant de chiffrer sérieusement le coût d’une diffusion FM pour La Radio du Cinéma sans connaître le territoire à couvrir et les caractéristiques techniques retenues.

Le DAB+ : partager les infrastructures et les coûts

Le DAB+ fonctionne différemment. Plusieurs radios peuvent partager une même infrastructure de diffusion au sein d’un multiplex.

Cette mutualisation permet de répartir entre plusieurs stations la consommation électrique et les dépenses techniques nécessaires à la diffusion.

Selon des ordres de grandeur publics, le coût d’une diffusion DAB+ locale peut se situer autour de 500 à 1 000 euros par mois et par radio, soit environ 6 000 à 12 000 euros par an.

Ces montants sont indicatifs et ne constituent pas un devis TDF. Ils peuvent évoluer en fonction de la zone couverte, du réseau d’émetteurs, du multiplex et des services inclus.

Les travaux parlementaires consacrés à la radio numérique mettent également en évidence l’intérêt économique du partage des infrastructures, particulièrement lorsque les multiplex sont suffisamment remplis.

Mais pour une radio indépendante, le choix entre FM et DAB+ ne dépend pas uniquement de la facture énergétique : la couverture recherchée, les autorisations de diffusion et les frais techniques entrent également en compte.

Dans le cas d’un opérateur comme TDF, l’énergie utilisée sur les sites de diffusion fait normalement partie de l’organisation économique de la prestation technique. Notre production solaire locale ne permettrait donc pas de réduire directement cette dépense externalisée.

Produire localement pour mieux maîtriser nos coûts

C’est précisément ce qui rend notre expérimentation intéressante.

Nous ne prétendons pas alimenter un émetteur FM ou un réseau DAB+ avec nos batteries domestiques.

Notre objectif est plus concret : réduire autant que possible l’électricité achetée pour faire fonctionner les équipements de production et de suivi de La Radio du Cinéma.

Chaque kilowattheure solaire consommé directement, ou stocké puis restitué efficacement, peut contribuer à cet objectif.

Pour une structure culturelle indépendante, la maîtrise de ces dépenses compte. Les ressources économisées peuvent être consacrées à la création de nouveaux programmes, aux interviews, aux podcasts et au développement de la radio.

Après les premiers tests, place aux mesures

L’installation fonctionne désormais dans une logique d’optimisation de l’autoconsommation, mais nous devons encore mesurer ses performances sur une durée représentative.

Nous souhaitons connaître précisément l’énergie stockée et restituée, les pertes éventuelles, les économies réellement obtenues et le comportement des batteries lors des journées peu ensoleillées.

Nous surveillerons aussi leur coordination afin d’éviter des sollicitations inutiles susceptibles de réduire leur durée de vie.

À terme, cette expérience nous permettra de mieux connaître le coût énergétique réel de notre activité et de déterminer quelle part de nos besoins peut être couverte par notre propre production photovoltaïque.

Pour La Radio du Cinéma, cette démarche est aussi une manière de préparer l’avenir : continuer à produire et diffuser des contenus consacrés au cinéma, tout en maîtrisant davantage les ressources nécessaires à leur réalisation.

La Radio du Cinéma expérimente les solutions SolarFlow de Zendure avec du matériel fourni par le constructeur. Les observations présentées concernent nos premiers essais. Les estimations de consommation et d’économies restent indicatives et ne remplacent pas un bilan énergétique mesuré.

Pour aller plus loin

• Zendure — Solutions de stockage solaire
• TDF — Infrastructures et diffusion radio
• Arcom — Régulation et déploiement de la radio numérique
• Assemblée nationale — Travaux parlementaires sur la radio et le DAB+

« Oui, je t’aime totalement, tendrement, tragiquement. »

Paul répond ainsi à Camille dans la scène d’ouverture. La déclaration semble sans réserve ; son dernier mot, « tragiquement », laisse pourtant entrevoir la rupture qui traverse le film. En quelques secondes, la tendresse et son inquiétude cohabitent.

Comment voir le film ?

Consultez la fiche VoD de LaCinetek ou celle d’ARTE Boutique pour vérifier les offres accessibles. Il existe aussi une édition Blu-ray 4K STUDIOCANAL.

Il suffit de quelques minutes pour comprendre que le mot « masterclass » ne leur ressemble qu’à moitié. Trop solennel, sans doute. Éric Toledano et Olivier Nakache préfèrent la rencontre, les questions qui dérapent, les réponses qui bifurquent, la contradiction, la vanne qui arrive exactement au moment où le propos menace de devenir trop sérieux.

Au festival De l’écrit à l’écran, les deux réalisateurs font donc ce qu’ils savent faire depuis des années : faire circuler la parole et le rire sans perdre le fond.

Et puisqu’il faut bien commencer quelque part, ils commencent avant eux-mêmes.

Avant Toledano-Nakache.

Avant le duo, il y avait déjà le cinéma

Pour Éric Toledano, tout remonte à Versailles et à une salle : le Cyrano. Un lieu fondateur où, adolescent, il découvre ce que le cinéma peut produire de plus mystérieux : être seul au milieu des autres et, lorsque la lumière s’éteint, se sentir soudain moins seul.

« C’est là où le cinéma m’a parlé, c’est là où le cinéma m’est apparu. »

Le cinéma lui permet alors de « vivre plein de vies » qu’il n’aurait jamais vécues et de sortir de lui-même. Dans une famille où, raconte-t-il, « on ne parlait pas beaucoup », cette découverte ressemble aussi à une prise de parole possible.

Olivier Nakache, lui, grandit à Puteaux. Pas de salle de cinéma à proximité, mais un vidéoclub.

« Éric et moi, on est des enfants du vidéoclub. »

Il emprunte, regarde, dévore les rayons. Deux apprentissages différents pour une même obsession naissante. Ni l’un ni l’autre ne vient d’une famille d’artistes ou d’un milieu relié au cinéma. Ils savent surtout ce qu’ils ne veulent pas : une trajectoire déjà écrite.

« On se fait marrer. Et ça n’arrête pas »

Quand une spectatrice leur demande ce qui explique que leur association fonctionne encore après tant d’années, Olivier Nakache ne convoque ni théorie de la mise en scène ni savante répartition des tâches.

Il répond presque immédiatement :

« On se fait marrer. Et ça n’arrête pas. » Ils riaient encore ensemble le matin même, dans le TGV, en travaillant sur un nouveau film.

Le rire n’est pourtant pas chez eux une manière d’éviter les sujets difficiles. C’est exactement l’inverse. Il permet de les approcher autrement.

« Pour nous, l’humour, la comédie, c’est un pas de côté, mais on n’oublie pas le sens et le fond, ni le drame. »

Puis vient peut-être l’une des plus belles définitions de leur cinéma entendues pendant cette rencontre :

« C’est notre bouclier. C’est la fenêtre qu’on ouvre quand on se sent étouffé. » Voilà peut-être une clé qui traverse Intouchables, Hors normes, Le Sens de la fête et le reste de leur cinéma. Chez Toledano et Nakache, le rire n’annule jamais la gravité. Les deux peuvent occuper le même plan, parfois la même seconde.

« La comédie cohabite très bien avec les moments les plus complexes de la vie. »

Et après trois décennies passées ensemble, une question reste leur meilleur baromètre : est-ce qu’ils arrivent encore à se faire rire ?

Jean-Pierre Bacri lui-même s’en étonnait. Sur un plateau, voyant l’un rire pendant plusieurs minutes d’une plaisanterie de l’autre, il leur demandait comment cela pouvait encore fonctionner après trente ans.

Justement. Cela fonctionne parce qu’ils rient encore.

Toledano-Nakache, lequel est lequel ?

Patrice Caillet pour La Radio du Cinéma leur pose alors la question qui accompagne forcément un duo devenu presque un seul nom : dans un film de Toledano et Nakache, peut-on reconnaître ce qui appartient davantage à Éric et ce qui vient davantage d’Olivier ?

La réponse arrive indirectement grâce à Nathalie Hertzberg, scénariste du Procès Goldman, appelée à leurs côtés pendant l’écriture de leur nouveau film.

Elle a observé le duo travailler. Elle raconte Éric parlant, cherchant, développant. Olivier pouvant rester longtemps silencieux avant de sortir, au terme de la discussion, « le bon truc ». Mais surtout, elle raconte deux auteurs capables de ne pas être d’accord sans transformer le désaccord en bataille d’ego. Entre eux, dit-elle en substance, il y a un objet posé au milieu : le film.

La balle circule. Ils discutent. Ils peuvent s’engueuler. Puis ils recommencent. Olivier Nakache résume avec une image beaucoup moins académique : Nathalie Hertzberg les a aidés à « ranger leur chambre », une chambre d’adolescents devenue un peu trop encombrée.

Tout Toledano-Nakache est peut-être là : prendre très au sérieux le travail sans jamais adopter la posture de ceux qui voudraient paraître sérieux.

« Chaque film, c’est une page blanche »

Le succès aurait pu installer des certitudes. Il semble avoir produit l'effet contraire. Lorsqu’un spectateur leur demande ce qui change quand un premier scénario est enfin vendu, Éric Toledano rappelle une réalité moins romanesque : vendre ne signifie pas tourner. Cinq années sépareront cette première étape de leur premier long métrage.

Et Olivier Nakache ajoute : « On ne s’estime pas arrivés à quelque chose. »

Puis cette phrase, qui pourrait résumer toute la rencontre : « Chaque film, c’est une page blanche, c’est une nouvelle aventure"

Après les millions d’entrées, après Intouchables, après les récompenses et les tournées, le point de départ resterait donc le même : une histoire qui n’existe pas encore et deux hommes devant elle.

« Tout ce qu’on sait, c’est qu’on est tous les deux et que, de film en film, on creuse un sillon. »

L’obstination avant les recettes

Dans le public, plusieurs jeunes auteurs et comédiens cherchent naturellement le conseil qui pourrait débloquer une carrière. Ils se méfient des recettes. « On n’est pas les bonnes personnes pour donner des conseils », prévient Éric Toledano. Pas question d’expliquer aux autres ce qu’ils doivent penser, écrire ou faire de leur vie. Il accepte néanmoins d’en laisser un.

L’obstination. « Il y a le talent et puis il y a l’obstination. »

Une envie passagère peut disparaître. Une nécessité, elle, résiste. À un jeune homme qui veut devenir acteur, Olivier Nakache reprend la même idée : « Il faut pas lâcher. Si ça te brûle, ton obstination, elle fait partie de ton talent. »

Pas de méthode miracle, donc. Encore moins de raccourci. Seulement la nécessité de continuer.

Une idée doit résister au temps

Comment savoir, alors, qu’une idée mérite de devenir un film ? Nathalie Hertzberg apporte une réponse précieuse : « Une idée, c’est jamais une idée. Il faut savoir combien de temps elle résiste. »

On commence à écrire. On abandonne. On revient. Certaines histoires disparaissent. D’autres refusent de partir. Pour Eric Toledano, le temps agit comme un révélateur : peu à peu, la conviction grossit jusqu’au moment où le projet devient suffisamment fort pour réclamer son film. Et une autre formule  : « Toutes les idées, c’est comme les habits, ça ne va pas à tout le monde. » Autrement dit, la question n’est peut-être pas de trouver une histoire que personne n’aurait jamais racontée.

« Tout a été fait, mais pas par moi. »

Histoires d’amour, d’amitié, de famille, d’adolescence : les motifs reviennent. Ce qui ne revient jamais exactement de la même façon, c’est celui qui les raconte.

Continuer à jouer

Cette idée devient centrale lorsqu’une jeune spectatrice de onze ans et demi leur demande d’où vient leur désir de raconter l’adolescence. Toledano parle alors de cette période étrange où l’on n’est « plus tout à fait un enfant » sans être encore adulte. Un passage court, mais déterminant. Et, à cinquante ans passés, les deux cinéastes ont voulu regarder les garçons qu’ils étaient. « On est aussi des enfants qui n’ont pas voulu complètement arrêter d’être enfants. »

Puis : « C’est très important de garder sa part d’enfance. » Le cinéma leur offre précisément cette possibilité.

« Au cinéma, on a une chance particulière : on continue à être des enfants parce qu’on continue à jouer. »

Quand ils rencontrent Jean-Pierre Bacri pour lui proposer Le Sens de la fête, la question pourrait presque être celle d’enfants dans une cour de récréation :

« Est-ce que tu veux jouer avec nous ? » Derrière la simplicité de la formule se trouve une conception entière du métier. Inventer un film, c’est construire quelque chose de très complexe sans perdre le goût initial du jeu.

« Le scénario, c’est une promesse »

Et puis il y a l’écriture. Chez Toledano et Nakache, elle ne s’arrête pas lorsque le tournage commence. « Le scénario, c’est une promesse. »

Le texte doit devenir film. Or le plateau apporte ce qu'aucun bureau ne pouvait prévoir : un acteur, un geste, un décor, une réaction, une idée née quelques secondes avant « moteur ». Alors ils cherchent.

« Il faut qu’on trouve des pépites, qu’on trouve des miracles tous les jours. Des choses qu’on n’aurait pas pu inventer dans notre bureau tous les deux. »

Leur travail devient un « ping-pong permanent ». Au moment de tourner, ils pensent déjà au montage. Au moment d’écrire, ils imaginent déjà le plateau.

Toujours un temps d’avance. Mais sans sacrifier ce qui peut arriver maintenant. Même principe avec les comédiens.

« Il faut toujours écouter les acteurs. Les acteurs vivent le rôle de l’intérieur. »

Ils revendiquent ainsi une forme d’« improvisation cadrée » : savoir précisément où l’on veut conduire une scène, tout en laissant une chance à ce qui peut surgir.

« Il faut être humble sur un plateau, on n’est sûr de rien. »

Et après ?

Une masterclass avec "Toledano - Nakache" ne pouvait évidemment pas se terminer sans la question du prochain film.

Ils plaisantent, inventent d’abord un improbable film d’animation consacré à un petit nougat nommé Nougatine — leur société s’appelle justement Ten Films / Quad ? Non : la plaisanterie renvoie à Nouga Productions — avant de concéder qu’ils sont effectivement en train d’écrire leur dixième film.

Ils en disent peu. Une histoire inspirée de faits réels. Une comédie chorale. De nombreux acteurs. Et cette volonté intacte d’aller vers « la comédie avec du fond ». Pour le reste, il faudra attendre !

Après sa présentation en Compétition officielle au Festival de Cannes 2026, Autofiction de Pedro Almodóvar arrive en achat digital le 17 septembre 2026, puis en DVD, Blu-ray et VOD locative le 23 septembre 2026. Le film, dont le titre original est Amarga Navidad, réunit Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Aitana Sánchez-Gijón, Victoria Luengo, Patrick Criado, Milena Smit et Quim Gutiérrez.

Avec ce nouveau récit de cinéma dans le cinéma, Pedro Almodóvar retrouve une matière qu’il connaît comme un thème de son compositeur attitré Alberto Iglesias : la mémoire, le désir de fiction, la culpabilité de l’artiste et cette question simple que tout scénariste finit par croiser un jour : jusqu’où peut-on aller pour raconter une histoire ?

La bande-annonce officielle d’Autofiction annonce bien la couleur : une mise en abyme élégante, des intérieurs composés au cordeau, des visages qui retiennent l’émotion avant qu’elle déborde, et ce sens très almodóvarien de l’humour qui arrive au moment où le drame serre un peu trop fort.

Un Almodóvar intime, mais pas replié sur lui-même

Le synopsis installe Raúl, cinéaste culte en pleine crise créative. Lorsqu’un drame frappe l’une de ses plus proches collaboratrices, il s’en inspire pour écrire son prochain film. Peu à peu, il imagine Elsa, une réalisatrice en pleine écriture, dont le parcours commence à refléter le sien.

Les deux cinéastes deviennent les deux faces d’un même vertige. Ce dispositif est un jeu de miroirs autour de l’impudeur de l’autofiction, il permet à Almodóvar de regarder la création comme un geste nécessaire, mais jamais innocent.

On pense forcément à Douleur et Gloire, à la page blanche, aux blessures que l’on transforme en matière narrative. Mais Autofiction ajoute une tension morale plus frontale : que devient une vie privée quand elle passe dans la caméra d’un autre ? La réponse n’est pas donnée comme une leçon. Elle circule dans les regards, les silences, les éclats de comédie, avec cette petite musique intérieure qui fait les grands films de chevet.

Ce que la radio du cinéma retient du film

Notre rédaction n’a pas parlé d’une seule voix, et c’est plutôt bon signe pour un film qui travaille précisément la gêne, le doute et l’inconfort de la création. Mais plusieurs avis convergent vers une même idée : Autofiction est une œuvre de maturité, lucide, joueuse, souvent émouvante.

On peut voir dans le film une exploration de l’écriture et de l’autoportrait, portée par un récit souple et sinueux. Le film questionne le pouvoir même du cinéma, dans une forme à la fois crépusculaire et impitoyable. Un Almodóvar plus intime que jamais, attentif à l’angoisse et aux troubles qui gagnent ses personnages.

On peut souligner la structure originale du film et sa réflexion sur la morale des auteurs. Un autoportrait honnête, très attaché au deuil, à la nostalgie et à la nécessité de revenir vers les lieux où l’on a aimé la vie.

Almodóvar ose de nouveau rire, flirter et exagérer. Dit autrement : le cinéaste retrouve ici le goût du mouvement, du détour, du théâtre intime. Comme si, après avoir regardé ses fantômes dans le blanc des yeux, il leur lançait : « On tourne. »

Bárbara Lennie et Leonardo Sbaraglia au cœur du miroir

Le dispositif repose beaucoup sur le duo formé par Bárbara Lennie et Leonardo Sbaraglia. Elle incarne Elsa, réalisatrice en crise, traversée par le deuil et la fatigue. Lui joue Raúl, cinéaste reconnu qui transforme le réel en fiction, quitte à blesser ceux qui l’entourent.

Autour d’eux, Aitana Sánchez-Gijón, Victoria Luengo, Patrick Criado, Milena Smit et Quim Gutiérrez composent une constellation de personnages dont chacun semble porter un morceau de vérité. Les participations de Rossy de Palma, Carmen Machi, Gloria Muñoz et Amaia Romero ajoutent cette couleur de troupe, très familière chez Almodóvar, où chaque apparition peut devenir une note de contrechant.

Pourquoi cette sortie vidéo compte

Sur grand écran, Autofiction se reçoit comme un palais de glaces. En DVD et Blu-ray, il promet un autre plaisir : celui de revoir les coutures du récit, de repérer les doubles, les reprises, les petits écarts de mise en scène. C’est souvent à la maison que les films les plus labyrinthiques révèlent leur secret, télécommande en main, un peu comme lorsqu’on remet une scène pour vérifier si l’on a bien entendu la réplique.

Les éditions vidéo ajoutent deux bonus bienvenus : Dans les coulisses du tournage et une interview de Pedro Almodóvar. Pour un film qui interroge le geste de création, ces compléments ont tout d’un prolongement naturel.

Infos pratiques

• Titre : Autofiction
• Titre original : Amarga Navidad
• Réalisation : Pedro Almodóvar
• Distribution : Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Aitana Sánchez-Gijón, Victoria Luengo, Patrick Criado, Milena Smit, Quim Gutiérrez
• Avec la participation de : Rossy de Palma, Carmen Machi, Gloria Muñoz, Amaia Romero
• Nationalité : Espagne
• Genre : comédie dramatique
• Date de sortie achat digital : 17 septembre 2026
• Date de sortie DVD et Blu-ray : 23 septembre 2026
• Date de sortie VOD locative : 23 septembre 2026
• Accès : achat digital, VOD locative, DVD et Blu-ray via les plateformes et revendeurs participants
• DVD : 106 minutes, espagnol et français, Dolby Digital 5.1 compatible 2.0, sous-titres français, sourds et malentendants, audiovision, un disque
• Blu-ray : 111 minutes, espagnol et français, DTS-HD 5.1 compatible 2.0, sous-titres français, sourds et malentendants, audiovision, un disque
• Bonus DVD et Blu-ray : Dans les coulisses du tournage, interview de Pedro Almodóvar
• Bande-annonce : voir la bande-annonce officielle d’Autofiction

• Pedro Almodóvar
• Autofiction
• DVD Blu-ray
• Cannes 2026
• Cinéma espagnol
• Pathé Films — fiche DVD, Blu-ray et VOD d’Autofiction
• Festival de Cannes — fiche officielle d’Amarga Navidad
• YouTube — bande-annonce officielle d’Autofiction

La présélection du 10 septembre réunissait La Bataille de Gaulle – L’Âge de fer d’Antonin Baudry, Le Corset de Louis Clichy, La Gradiva de Marine Atlan, L’Inconnue d’Arthur Harari et Minotaure d’Andreï Zviaguintsev.

Cinq films aux profils très différents pour représenter la France

La Bataille de Gaulle – L’Âge de fer est le premier volet du diptyque historique d’Antonin Baudry consacré au général de Gaulle. Simon Abkarian y incarne le chef de la France libre, face notamment à Simon Russell Beale dans le rôle de Winston Churchill. Sorti en salles le 3 juin, le film est adapté du livre De Gaulle : une certaine idée de la France de l’historien Julian Jackson.

Le Corset de Louis Clichy est un film d’animation situé dans une ferme de Beauce. Il suit Christophe, 11 ans, contraint de porter un corset orthopédique et qui découvre progressivement la musique. Le réalisateur, passé par les Gobelins puis par Pixar, avait auparavant coréalisé avec Alexandre Astier Astérix : Le Domaine des dieux et Astérix : Le Secret de la potion magique.

La Gradiva est le premier long métrage de Marine Atlan, jusque-là connue notamment comme directrice de la photographie. Le film accompagne un groupe de lycéens français en voyage scolaire à Naples et à Pompéi. Présenté en première mondiale à la Semaine de la Critique, il y a remporté le Grand Prix.

Avec L’Inconnue, Arthur Harari raconte l’histoire d’un photographe qui se réveille dans le corps d’une femme aperçue quelques heures auparavant. Léa Seydoux et Niels Schneider figurent au casting. Le cinéaste adapte ici Le Cas David Zimmerman, roman graphique de son frère Lucas Harari. Deux ans plus tôt, Arthur Harari avait remporté avec Justine Triet l’Oscar du meilleur scénario original pour Anatomie d’une chute.

Minotaure marque le retour d’Andreï Zviaguintsev au long métrage. Situé dans la Russie de 2022, le film suit l’effondrement de la vie d’un chef d’entreprise et de sa famille. Son scénario, écrit par Zviaguintsev et Simon Liachenko, s’appuie sur La Femme infidèle de Claude Chabrol.

Cannes 2026 est le fil rouge des cinq films présélectionnés

Cette présélection française possède une particularité : ses cinq films ont tous été montrés à Cannes au printemps 2026, même s’ils n’y concouraient pas dans la même section.

La Bataille de Gaulle – L’Âge de fer était présenté hors compétition. L’Inconnue et Minotaure figuraient dans la compétition officielle, tandis que Le Corset était sélectionné à Un Certain Regard. La Gradiva participait pour sa part à la Semaine de la Critique.

Trois titres sont repartis récompensés. Le Corset a obtenu le Prix spécial du jury d’Un Certain Regard, La Gradiva le Grand Prix de la Semaine de la Critique et Minotaure le Grand Prix du Festival de Cannes.

Les Oscars ont modifié les règles du meilleur film international

La course 2027 se déroule avec une nouveauté importante. L’Academy permet désormais à certains films non anglophones d’être soumis sans passer par la sélection nationale s’ils remportent un prix déterminé dans l’un de six festivals internationaux qualifiants.

À Cannes, cette possibilité est réservée à la Palme d’or. Les Grand Prix et récompenses obtenus par Minotaure, Le Corset ou La Gradiva ne leur accordent donc pas automatiquement cette nouvelle voie d’accès.

Un autre changement concerne la nomination elle-même : à partir de cette édition, c’est le film qui sera officiellement crédité comme nommé, et non plus le pays ou le territoire. Le réalisateur acceptera la récompense au nom de l’équipe créative.

Comment Minotaure a été choisi pour représenter la France

Après les auditions du 16 septembre, la commission française présidée par Charles Tesson a retenu Minotaure. Le CNC a annoncé le choix de Minotaure pour représenter la France. Cette sélection nationale précède l’examen du film par l’Academy.

La question de la diffusion internationale n’est pas anecdotique. Le dossier français demande notamment une lettre d’intention des producteurs et du vendeur international ; une lettre du distributeur américain peut également être fournie. L’Academy vérifiera ensuite elle-même l’éligibilité du film finalement soumis.

Trois films sortiront en France après la date limite d’éligibilité

Le Corset et Minotaure sont annoncés dans les salles françaises le 14 octobre, tandis que La Gradiva doit sortir le 4 novembre. Cette chronologie n’exclut pas automatiquement ces films : le règlement prévoit une sortie anticipée dite technique, pendant sept jours consécutifs dans un même cinéma avant le 30 septembre, lorsque la sortie commerciale est programmée d’ici au 31 décembre 2026.

Les prochaines dates de la course aux Oscars 2027

Le choix français a été annoncé le 16 septembre. La date limite de soumission des films internationaux était fixée au 30 septembre. Selon le calendrier officiel de l’Academy, les prochaines étapes sont :

• 15 décembre 2026 : annonce de la liste de 15 films ;
• 21 janvier 2027 : annonce des cinq films nommés ;
• 14 mars 2027 : 99e cérémonie des Oscars.

Minotaure porte désormais la candidature française. Il devra encore franchir les étapes de sélection de l’Academy pour figurer parmi les cinq films nommés. Les dates annoncées par l’Academy restent susceptibles de modification.

Mise à jour le 9 octobre 2026 : ajout du choix français annoncé par le CNC le 16 septembre et actualisation du calendrier.

Disponible gratuitement sur YouTube depuis le 1er septembre 2026, Révolté de Noël Mitrani transforme sa diffusion en sujet de cinéma. Dans le même catalogue, le film Toutes les deux dépasse 5,4 millions de vues. De quoi poser une question très concrète : YouTube peut-il ouvrir une seconde voie aux films indépendants qui peinent à trouver leur écran ?

Un film peut désormais rencontrer plusieurs millions de spectateurs sans suivre le parcours qui conduisait traditionnellement d’un producteur à un distributeur, puis d’un programmateur à une salle. Avec Révolté, Noël Mitrani pousse cette logique jusqu’au long métrage proposé gratuitement dans son intégralité.

Alors, qui décide encore de ce qu’un film peut devenir ? La réponse n’est plus seulement à chercher du côté des commissions, des chaînes, des plateformes de vidéo à la demande ou des plans de sortie. Avec YouTube, le public peut accéder directement à l’œuvre. Mais le filtre n’a pas disparu pour autant : il a changé de forme.

Révolté : un long métrage diffusé comme une œuvre à part entière

Révolté raconte le conflit de deux frères confrontés à la même histoire familiale. Édouard tient leur père pour responsable de la mort de leur mère. Samuel défend une autre lecture des faits. Un secret vient progressivement déplacer leurs certitudes.

Camile Foley et Elliott Mitrani incarnent les deux frères. Émilie Massé, Natacha Mitrani, Mélanie Elliott, Pierre-Luc Brillant et Veronika Leclerc Strickland figurent également à la distribution. Martina Adamcová et Noël Mitrani assurent la production, Vincent Cadoret signe la photographie et Benjamin Mitrani la musique.

Le film n’arrive pas sur YouTube sous la forme d’un extrait destiné à vendre une autre exploitation. Le long métrage lui-même constitue le programme. Dans son entretien avec La Radio du Cinéma consacré à Révolté, Noël Mitrani résume ainsi son objectif : « L’idée, c’est que mon travail soit vu », explique le réalisateur.

Cette phrase déplace immédiatement la question économique. La gratuité pour le spectateur ne signifie pas que l’œuvre n’a plus de valeur, ni qu’une diffusion sur YouTube est dépourvue de modèle économique. Elle signifie d’abord que l’accès au film n’est plus conditionné par l’achat d’un billet ou un abonnement à une plateforme.

5,4 millions de vues : ce que montre déjà le catalogue de Noël Mitrani

Le précédent le plus visible se trouve déjà sur la chaîne utilisée pour diffuser ses films. Marcova Productions fait état d’un film de Noël Mitrani qui n’aurait trouvé ni sortie en salle, ni programmation télévisée, ni accueil sur une plateforme avant sa diffusion gratuite en ligne. Au 8 septembre 2026, Toutes les deux, proposé sous son titre anglais Between Them, y affiche environ 5,4 millions de vues. Sortie en 2021, cette comédie avec Veronika Leclerc Strickland et Mélanie Elliott avait aussi circulé dans des festivals et fait l’objet d’une projection à la Cinémathèque québécoise.

Le chiffre reste néanmoins instructif pour une autre raison : une audience numérique importante peut exister autour d’un long métrage francophone indépendant sans que cette audience ait été construite par une sortie nationale en salles. Cela ne permet pas de convertir cinq millions de vues en cinq millions de spectateurs de cinéma, encore moins en recettes comparables à un box-office. Les unités de mesure et les usages ne sont pas les mêmes.

YouTube devient aussi un écran de salon

Qualifier YouTube de « salle » reste évidemment une métaphore. Il n’y a ni séance collective, ni exploitant, ni programmation territoriale, ni lumière qui s’éteint à heure fixe. Mais considérer la plateforme comme un simple écran de téléphone serait désormais tout aussi réducteur.

YouTube indiquait en 2025 que plus d’un milliard d’heures de ses contenus étaient regardées chaque jour sur des téléviseurs dans le monde. Aux États-Unis, Nielsen mesurait en mai 2026 une part record de 13,8 % du temps total passé devant la télévision pour YouTube. Ces données américaines ne préjugent pas du comportement du public français ou québécois face à un film indépendant, mais elles montrent que le visionnage de YouTube s’est installé sur le grand écran du salon.

Un long métrage de près de deux heures n’est donc plus nécessairement condamné à être regardé sur un ordinateur ou tenu à bout de bras. Le projecteur n’a pas disparu ; dans certains cas, il a simplement changé d’adresse.

Le distributeur disparaît-il ? Non, le filtre se déplace

Mettre un film sur YouTube supprime une première barrière : aucune acquisition par un service de streaming et aucun nombre minimal de séances ne sont nécessaires pour que l’œuvre soit techniquement accessible. Mais être accessible ne signifie pas être découvert.

La circulation dépend alors d’autres mécanismes : abonnés de la chaîne, recommandations, recherche, miniature, titre, durée de visionnage, relais dans la presse, réseaux sociaux et bouche-à-oreille. L’auteur ou le producteur récupère une partie de la maîtrise de la diffusion, mais assume aussi des fonctions qui appartenaient auparavant aux distributeurs et aux équipes marketing.

Le nouvel intermédiaire peut donc être algorithmique. Ce déplacement est important : un film écarté d’un catalogue traditionnel peut être mis en ligne en quelques minutes, mais rien ne lui garantit une place dans les recommandations de millions d’utilisateurs.

Pour mieux comprendre cette économie artisanale et cette recherche directe du public, Martina Adamcová détaillait à La Radio du Cinéma sa manière de produire, distribuer et rentabiliser un film indépendant.

Ce que l’expérience Révolté peut apprendre au cinéma indépendant francophone

Un seul film ne suffit évidemment pas à annoncer un nouveau modèle pour tout le cinéma indépendant. Une comédie, un documentaire, un film de genre ou un drame de plus de 100 minutes ne disposent ni du même public ni des mêmes possibilités de financement et de diffusion.

L’expérience devient en revanche intéressante lorsque les détenteurs des droits peuvent comparer plusieurs solutions. Une sortie gratuite sur YouTube peut constituer une stratégie de première diffusion, une seconde vie après des festivals ou une solution lorsque les débouchés traditionnels restent fermés. Elle n’oblige pas à déclarer les salles ou les distributeurs dépassés.

Le parcours de Noël Mitrani rend d’ailleurs le sujet moins théorique. Son premier long métrage, Sur la trace d’Igor Rizzi, avait été présenté à Venise avant de recevoir le prix du meilleur premier film canadien au Festival international du film de Toronto en 2006. Le réalisateur connaît donc aussi le circuit des festivals et des reconnaissances professionnelles.

Vingt ans plus tard, la question n’est plus seulement de savoir comment faire sélectionner un film, mais comment prolonger son existence lorsqu’aucune fenêtre ne paraît suffisamment ouverte. Ce débat rejoint celui de la découvrabilité des œuvres, également abordé dans notre suivi du Sommet Lumière 2026 consacré au cinéma, aux plateformes et aux nouveaux usages.

Révolté transforme ainsi une difficulté de distribution en expérience grandeur nature. YouTube ne remplace pas la salle obscure et ne garantit aucun succès. Mais la plateforme offre à certains films une possibilité qui, autrefois, n’existait presque pas : rester disponibles assez longtemps pour que leur public puisse peut-être finir par les trouver.

Révolté sur YouTube en 2026 : où voir le film, durée et accès

• Titre : Révolté
• Réalisation et scénario : Noël Mitrani
• Production : Martina Adamcová et Noël Mitrani
• Interprétation : Camile Foley, Elliott Mitrani, Émilie Massé, Natacha Mitrani, Mélanie Elliott, Pierre-Luc Brillant et Veronika Leclerc Strickland
• Lieu : en ligne 
• Plateforme : chaîne YouTube @marcovaproductions
• Date de mise à disposition : 1er septembre 2026
• Accès : gratuit
• Langue : français, avec sous-titres anglais optionnels indiqués sur la mise en ligne
• Durée : 114 minutes
• Classification au Québec : 13 ans et plus

• Révolté
• Noël Mitrani
• Cinéma indépendant
• YouTube

Sources

• Révolté, film complet sur YouTube – Marcova Productions
• Chaîne YouTube Marcova Productions / Verorev Films
• Gouvernement du Québec – Répertoire des films classés : Révolté
• La Radio du Cinéma – entretien avec Noël Mitrani autour de Révolté
• Putsch – entretien avec Martina Adamcová, 15 juin 2026
• YouTube – données sur le visionnage sur téléviseur
• Nielsen – The Gauge, données de mai 2026
• Cinémas / Érudit – entretien avec Noël Mitrani sur Sur la trace d’Igor Rizzi

Le Sommet Lumière 2026, réuni le 7 septembre à la Fondation Maeght de Saint-Paul-de-Vence, s’est achevé avec une Déclaration Lumière en 15 principes, cinq déclarations thématiques et plusieurs initiatives internationales. Plus de 120 signataires ont entériné le texte général. La France et la Corée du Sud ont aussi annoncé un Partenariat Lumière d’un milliard d’euros sur cinq ans.

Premier sommet international consacré à l’avenir du cinéma et de l’image animée, le rendez-vous a réuni plus de 200 responsables publics, créateurs, dirigeants d’entreprises et représentants d’institutions. L’Élysée fait état de participants venus de plus de 65 pays des cinq continents.

Au terme de la journée, l’intelligence artificielle, le droit d’auteur, la circulation des œuvres, la place des salles, le piratage, l’éducation aux images, l’égalité femmes-hommes et l’impact environnemental disposent désormais de textes de référence communs. Leur portée doit toutefois être précisée : ces déclarations fixent des principes et des engagements, mais n’instaurent pas à elles seules de nouvelles obligations juridiques contraignantes.

Une Déclaration Lumière en 15 principes

Le texte général adopté à Saint-Paul-de-Vence rassemble 15 principes. Il place l’œuvre de création au centre du secteur, défend la diversité culturelle, la rémunération de la création et la propriété intellectuelle, et réaffirme la place de l’exploitation en salle dans la circulation du cinéma.

La découvrabilité figure également parmi les sujets retenus. Le texte évoque explicitement le rôle croissant que pourraient jouer les intelligences artificielles dites agentiques dans l’accès aux œuvres et leur recommandation. L’enjeu formulé est que des œuvres différentes puissent rester visibles et accessibles lorsque leur découverte passe de plus en plus par des systèmes automatisés.

La Déclaration prévoit aussi une coopération accrue contre le piratage, le soutien à la liberté de création, l’égalité entre les femmes et les hommes, des pratiques de production plus durables et le développement de l’éducation aux images.

Cinq déclarations thématiques, dont une consacrée à l’intelligence artificielle

En complément de la Déclaration Lumière, cinq textes thématiques ont été adoptés. Ils concernent l’intelligence artificielle, la lutte contre le piratage, l’éducation aux images, l’égalité femmes-hommes et la sécurité sur les tournages, ainsi que la transition environnementale des industries de l’écran. Ces textes restent ouverts à de nouvelles signatures.

La déclaration consacrée à l’IA comporte six principes. Elle inscrit notamment les systèmes d’intelligence artificielle produisant, transformant ou utilisant des œuvres culturelles dans le champ des principes de la Convention de l’UNESCO de 2005 sur la diversité des expressions culturelles.

Elle affirme également que les œuvres créées par des êtres humains constituent le socle sur lequel reposent les systèmes d’IA générative et que l’utilisation d’œuvres protégées pour leur entraînement doit respecter la propriété intellectuelle et donner lieu à une rémunération équitable des titulaires de droits.

Le texte traite aussi de la préservation des emplois créatifs, de la transparence des données d’entraînement, de l’identification des contenus générés ou modifiés par l’IA et des moyens permettant aux ayants droit de repérer l’utilisation de leurs œuvres.

Ces questions étaient déjà présentes dans les débats du secteur au printemps. À Cannes, Diane Kruger, Iris Knobloch et plusieurs professionnels avaient abordé les conséquences de l’intelligence artificielle sur la création cinématographique.

Ce que la SACD retient de la déclaration sur l’IA

Dans une réaction publiée le 8 septembre, la Société des auteurs et compositeurs dramatiques met en avant quatre éléments de la déclaration relative à l’intelligence artificielle.

• Création humaine et rémunération : reconnaissance du rôle des œuvres humaines dans l’entraînement des systèmes génératifs et principe d’une rémunération équitable des titulaires de droits concernés.
• Transparence et traçabilité : mise en place de mécanismes permettant d’identifier les œuvres utilisées pour l’entraînement ainsi que les contenus générés ou assistés par intelligence artificielle.
• Emploi et talents artistiques : prise en compte de la préservation des emplois créatifs et de la diversité des talents dans les politiques publiques liées au développement de l’IA.
• Diversité culturelle : rattachement de ces enjeux aux principes de la Convention de l’UNESCO de 2005 et reconnaissance de la capacité des États à conduire leurs politiques culturelles face aux évolutions technologiques.

La SACD demande désormais que ces principes soient repris dans les travaux de l’UNESCO et dans la future stratégie européenne sur l’intelligence artificielle. Il s’agit d’une demande formulée par l’organisation d’auteurs, et non d’une mesure adoptée par l’Union européenne lors du Sommet.

La proposition de loi Darcos reste en discussion à l’Assemblée nationale

Sur le terrain français, la SACD appelle également à l’adoption de la proposition de loi portée notamment par la sénatrice Laure Darcos sur l’utilisation de contenus culturels par les fournisseurs d’intelligence artificielle.

Le texte a été adopté par le Sénat le 8 avril 2026 et transmis à l’Assemblée nationale le 9 avril. La commission des affaires culturelles de l’Assemblée l’a examinée et a déposé son texte le 2 juin. Au 8 septembre, le dossier législatif officiel ne fait pas apparaître d’adoption du texte en séance publique par l’Assemblée nationale.

La SACD demande par ailleurs que les aides à la production du CNC puissent être conditionnées ou modulées selon le recours à l’emploi créatif humain. Cette proposition appartient aux demandes de la société d’auteurs : elle ne figure pas parmi les décisions actées publiquement par le Sommet Lumière.

Un milliard d’euros pour le Partenariat Lumière France-Corée

L’annonce financière la plus importante de la journée concerne le Partenariat Lumière. La France et la Corée du Sud prévoient de mobiliser ensemble un milliard d’euros sur cinq ans pour accompagner les industries du cinéma, de l’audiovisuel et de l’image animée.

La France doit mobiliser 500 millions d’euros par l’intermédiaire de Bpifrance de 2027 à 2031. La Corée du Sud a annoncé un engagement d’un montant équivalent. Le dispositif est présenté comme ouvert à la participation d’autres États.

Les principes associés au partenariat reprennent trois axes affichés lors du Sommet : primauté de la création humaine, respect du droit d’auteur et diversité culturelle. Les modalités détaillées d’attribution et de déploiement devront désormais être précisées au fur et à mesure de sa mise en œuvre.

IRIS doit fédérer les salles indépendantes

Le Sommet a également acté la création d’IRIS, pour International Resilience Initiative for Independent Screens. Cette initiative doit soutenir les salles indépendantes, les distributeurs et les réseaux qui permettent aux films de circuler auprès des publics.

Le Maroc, la Corée du Sud, le Portugal et la Grèce figurent parmi les premiers partenaires cités. Un conseil international rassemble plus de 40 cinéastes et artistes, dont Martin Scorsese, Juliette Binoche, Jane Campion, Sofia Coppola, Costa-Gavras, Isabelle Huppert, Hirokazu Kore-eda, Jafar Panahi, Tilda Swinton, Denis Villeneuve et Wim Wenders.

La question de la circulation du patrimoine et des œuvres indépendantes était déjà suivie par La Radio du Cinéma avec le rapprochement de SOONER et de l’Institut Lumière autour de la diffusion du patrimoine cinématographique.

Une Alliance Lumière de 54 agences publiques

Autre structure née du rendez-vous : l’Alliance Lumière, présentée comme un réseau mondial d’institutions publiques chargées du cinéma et de l’audiovisuel. Au 7 septembre, 54 agences avaient rejoint le dispositif.

Les membres doivent se retrouver chaque année à Cannes, ainsi que lors d’un congrès organisé par l’un des États participants. L’objectif annoncé est de permettre des échanges d’expertise et la préparation d’initiatives communes.

Le programme Audiovisual Next Gen a également été lancé par le CNC avec Netflix, RTL Group et Mediawan. Il doit accompagner pendant 18 mois 20 professionnels de moins de 35 ans. La première promotion, annoncée pour janvier 2027, doit être composée exclusivement de femmes.

Le jeu vidéo reste dans le programme des suites du Sommet

Le jeu vidéo, présent dès la préparation du Sommet Lumière 2026, n’a pas disparu du générique final. Emmanuel Macron a annoncé la création d’un Festival international du jeu vidéo destiné à réunir création, innovation, joueurs et industrie.

Aucune date, aucun lieu ni format détaillé n’ont encore été publiés pour ce nouveau rendez-vous. Il faut donc, à ce stade, s’en tenir à l’annonce de sa création.

Sur le versant cinéma et création générative, l’AI Film Festival Monaco 2026 témoigne déjà de la place prise par l’intelligence artificielle dans les rendez-vous consacrés aux nouvelles formes de production.

Des principes adoptés, une mise en œuvre encore à suivre

Le Sommet Lumière a donc produit des textes, des dispositifs de coopération et des engagements financiers identifiables. Mais leurs calendriers ne sont pas tous arrêtés et les cinq déclarations thématiques restent ouvertes à de nouveaux signataires.

L’AFP souligne que la Déclaration Lumière n’a pas d’effet contraignant. Plusieurs comptes rendus publiés à l’issue de la journée relèvent également que les modalités concrètes de certaines annonces restent à préciser. Gaëtan Bruel, président du CNC, avait lui-même présenté le rendez-vous comme le point de départ d’un travail destiné à se poursuivre dans les prochains mois.

Pour le cinéma et l’audiovisuel, la suite se jouera donc dans la traduction de ces principes en dispositifs nationaux, européens ou internationaux : règles liées à l’IA, accords sur la rémunération, coopération contre le piratage, soutien aux salles, financement et éducation aux images.

Infos pratiques

• Événement : Sommet Lumière 2026
• Date : lundi 7 septembre 2026
• Lieu : Fondation Maeght, 623 chemin des Gardettes, 06570 Saint-Paul-de-Vence
• Horaires : accueil à 8h30, ouverture à 10h15, première plénière à 11h15, clôture de 17h30 à 18h30
• Durée : une journée
• Accès : rendez-vous professionnel et institutionnel réservé aux participants invités ; événement terminé
• En ligne : le discours d’ouverture et la Déclaration Lumière sont publiés par l’Élysée ; le site officiel du Sommet dispose d’un espace « Photos & Vidéos »

• Sommet Lumière
• Saint-Paul-de-Vence
• Intelligence artificielle
• Droit d’auteur

Sources

• Présidence de la République — « Sommet Lumière à Saint-Paul-de-Vence », 7 septembre 2026
• Présidence de la République — « Déclaration Lumière sur l’avenir du cinéma et de l’image animée », 7 septembre 2026
• Présidence de la République — bilan du Sommet Lumière et présentation du Partenariat Lumière, d’IRIS, d’Audiovisual Next Gen et de l’Alliance Lumière, 7 septembre 2026
• Sommet Lumière / CNC — programme officiel 2026
• SACD — « Sommet Lumière : des déclarations encourageantes pour le cinéma et l’audiovisuel », 8 septembre 2026
• AFP — compte rendu du Sommet Lumière, 7 septembre 2026
• Le Monde — compte rendu depuis Saint-Paul-de-Vence, 7 septembre 2026, mis à jour le 8 septembre
• Variety — compte rendu des cinq déclarations thématiques, 7 septembre 2026
• Screen Daily — compte rendu du lancement d’IRIS et du partenariat France-Corée, 7 septembre 2026
• Assemblée nationale — dossier législatif de la proposition de loi relative à l’utilisation des contenus culturels par les fournisseurs d’intelligence artificielle, état consulté le 8 septembre 2026